ピアニスト名鑑 - pianist directory

ヨゼフ・ホフマン

2010-11-23T19:26:00.004+09:00

ヨゼフ・ホフマン（ユゼフ・カジミェシュ・ホフマン）（Josef Casimir Hofmann, Józef Kazimierz Hofmann 1876年1月20日　クラクフ - 1957年2月16日　ロサンジェルス）は、ポーランド出身のユダヤ系アメリカ人ピアニスト。

わずか10歳にして、ヨーロッパ各地とスカンジナヴィア諸国を歴訪して長期間の演奏旅行を行い、神童の名をほしいままにする。
1887年年末から1888年年頭におけるアメリカ楽旅が、演奏活動の頂点となり、初期の報道機関をその名で大いに賑わせた。その後、演奏旅行から退き、アントン・ルビンシテインの個人指導を受ける。（ルビンシテインに個人指導を受けることができたのは、ホフマンが唯一人である。）

ホフマンは後半生をアメリカ合衆国にすごし、カーティス音楽学校で教鞭を執りながら、1938年まで同校校長を務める。多くの才能ある学生を育成したが、門下のうちで、国際的な活動へと乗り出すことができたのは、シューラ・チェルカスキーひとりだけだった。チェルカスキーは知的な深みだけでなく、この上ないテクニックと音色において、ホフマンとつながっている。

ホフマンは、1903年から1930年代まで、少数ながら商業録音を行なった。トーマス・エジソン社のために、草創期のクラシック音楽のレコードを録音してもいるが、それらは失われてしまっている。だが、ロシアで制作されたシリンダーは、最近になって再発見された。ピアノロールにも吹き込みを行い、それによって莫大な収入を得たものの、ホフマン本人は、ピアノ・ロールが自分の演奏を正確に再現しているとは信じていなかった。このような不信感は、アコースティック録音にも抱いていた。このためホフマンは、自分はどんな曲でも二度とは同じように演奏しないと述べている。ホフマンのいくつかの生演奏を放送用に録音したものは現存しており、このすべてがCDに復刻されている。この音源は、ほとんどの愛好家から歓迎されたが、他人の手により編集されたために、演奏についての評価は分かれている。

ホフマンは非常に小さな手をしており（だが人並外れて丈夫な手だった）、他の有名な手の小さいピアニストのように難儀していた。スタインウェイ社はホフマンのために、鍵盤の狭い特製ピアノ（1オクターヴごとに1/8インチ狭い）を造った。これをホフマンは、心持ち楽だと述べたという。

ラフマニノフは、ホフマンを自分の作品の最善の解釈者と認めて、『ピアノ協奏曲第3番』を献呈した。しかし、ホフマンはこれを演奏しなかった。小さな手の持ち主に、この献呈は間違いだったのである。しかも、最初の夫人マリーによると、ホフマンはラフマニノフの協奏曲が、形式を欠くと見なして、一顧だにしなかったという。
ホフマンのもう一人の恩師モーリッツ・モシュコフスキも、自作の協奏曲をホフマンに献呈したが、やはりホフマンは演奏しなかった。ありがちなことだが、ホフマンは、ライヴァルの作曲するピアニストが書いた協奏曲を、演奏したいとは望まなかったのだろう。

ホフマンは、出版譜を尊重する姿勢から、最初の「モダンな」ピアニストと見なされているように、他のロマン主義のピアニスト（たとえばイグナツィ・パデレフスキやヴラディーミル・ド・パハマンの有名な例）とは対照的に、譜面から飛躍して独自の極端な解釈を導き出すことはなかった。

しかしながらホフマンは、この上ない技術的能力や詩的情感、音色、想像力に恵まれていた。その反面、ショパンの『バラード第4番』の燃え盛るような演奏（「カシミール・ホールにおける歴史的演奏会」、1938年）は、ホフマンの演奏様式がいかにアントン・ルビンシテインに近しく、いかに冷戦後のピアニストとは違っているかを物語っている。

ホフマンは1911年に、同時並行して行なった10の演奏会で、別々の256曲を演奏すると言う記録を打ちたて、ロシアの聴衆を驚かせた。ホフマンの百科事典的な浩瀚なレパートリーは、そのほんの一部が、録音によって伝えられているにすぎない。それでも現在、20世紀の偉大なピアニストの一人と評価されている。

ホフマンは発明家の才能もあり、ピアノや自動車の装置を発明して、たくさんの特許を取得している。自動車用・飛行機用の空気式衝撃吸収体の発明で、20世紀初頭にホフマンは一儲けし、その後も医療器具、原油を精製するための炉、ピアノロールに音の強弱を記録する装置（ピアノロール会社が破産するようになったのと同時期の発明、実用化されず）、太陽と共に回転する住宅などを発明した。最晩年には、ピアノの録音方式の改善に取り組んでいた。

Josef Hofmann Rachmaninov Prelude in Cis-Moll

Josef Hofmann Piano Concerto in E-flat major - Emperor by Ludwig van Beethoven

M. Moszkowski - Morceau Caractéristique

Hofmann: Rachmaninoff Prelude op 23 No 5 (1920)

Hofmann: Liszt Liebestraum No 3 (1912)

Hofmann: Chopin Scherzo No 2 (1919)

Josef Hofmann plays Chopin Nocturne in C-minor Op. 48, #1

ホーカン・アウストボ

2009-08-04T00:29:00.002+09:00

ホーカン・アウストボ（Håkon Austbø, 1948年10月22日コングスベルグ - ）はノルウェーのピアニスト。現在はアムステルダム音楽院教授を務める。

1971年にオリヴィエ・メシアン国際現代音楽コンクールで優勝し、ジュリアード音楽院やミュンヘン高等音楽学校に留学して研鑽を積んだ。

ヨハネス・ブラームス、エドヴァルド・グリーグ、レオシュ・ヤナーチェク、エリック・サティ、クロード・ドビュッシー、アレクサンドル・スクリャービンの主要なピアノ曲を体系的に録音していることで名高い。スクリャービンの「色光ピアノ（クラヴィエ・ア・リュミエール）」を実現させるプロジェクトを組織し、監督している。

Austbø plays Sonata No.8 Op.66

Hakon Austbo plays Grieg Lyric Pieces - Once Upon A Time

Tales from the Wild - Hakon Austbo plays Grieg Lyric Pieces - March of the Dwarfs

Hakon Austbo plays Grieg Lyric Pieces - Once Upon A Time

アグスティン・アニエヴァス

2009-07-15T23:52:00.001+09:00

アグスティン・アニエヴァス（Agustin Anievas, 1934年 - ）はアメリカ合衆国のピアニスト。ショパン、リスト、ラフマニノフの専門家として知られる。

1952年に18歳で職業演奏家としてデビューを果たしてからジュリアード音楽学校に入学し、オルガ・サマロフとエドゥアルト・シュトイアーマンに師事して、1974年までに修士号を取得した。

1958年に第1回ミトロプーロス国際コンクールピアノ部門で優勝し、またベルギー・エリザベート王妃国際音楽コンクールで栄誉賞を受けた。その後はブルックリン大学付属音楽院の常任芸術家ならびに音楽学教授を務めた。

Frédéric Chopin: Waltz No. 19 - A minor. Performed by Augustin Anievas.

ダニエル・アドニ

2009-07-07T20:13:00.002+09:00

ダニエル・アドニ（Daniel Adni, 1951年12月6日ハイファ - ）はイスラエルのピアニスト。

ハイファで専門教育を受け、同地で12歳でデビューを果たす。

パリ音楽院でヴラド・ペルルミュテールに師事し、3回首席になる。

その後、1970年に、チューリヒでゲザ・アンダに入門し、同年ロンドンにデビュー。

1976年にニューヨーク青少年コンサート国際オーディションに入賞し、1981年にはフィリップ・フォーセット賞を獲得する。

これまでに世界各地で演奏活動を行い、世界の主要な指揮者やオーケストラと共演してきた。

1999年にロンドンで結婚した。

Jacob Shaw - 3rd Mvt. of "Brundibar Suite" (S.Shaw/H.Krasa)

アリス・アデール

2009-06-03T21:20:00.001+09:00

アリス・アデール（Alice Ader,1945年 -）はフランスのピアニスト。

1958年にパリ音楽院に入学し、リュセット・デカーヴ、ジャック・フェヴリエに師事。その後、1967年から1970年までウィーン国立音楽大学に留学し、ブルーノ・ザイドルホーファーに学ぶ。

1991年から1994年までフィリップ・ヘレヴェッヘのアンサンブル・ミュジーク・オブリークで活動。

1994年からアンサンブル・アデール（アリス・アデール・アンサンブル）を主宰し、ドビュッシーをはじめメシアン、フランク、エマニュエル・ヌネスなどをレパートリーとする。

ソリストとしても、フランスの近現代音楽を中心にシューベルトやブラームスのピアノ曲集などを録音しており、2003年にはアレクサンドル・ドミトリエフ指揮サンクトペテルブルク交響楽団とショパンのピアノ協奏曲第1番を演奏している。

メシアンをはじめアンドレ・ジョリヴェ、フィリップ・エルサンなど現代フランスの作曲家と親しく接し、その演奏に大きな信頼を得たことで知られている。

"http://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%82%A2%E3%83%AA%E3%82%B9%E3%83%BB%E3%82%A2%E3%83%87%E3%83%BC%E3%83%AB" より作成

Franz Schubert - 8 Ländler (D. 790)

トーマス・アデス

2009-06-03T21:06:00.000+09:00

トーマス・アデス（Thomas Adès, 1971年3月1日ロンドン - ）は英国の作曲家・ピアニスト・指揮者。イギリスが生んだ早熟の俊英作曲家という意味で、「ベンジャミン・ブリテンの再来」とする呼び声が高い。

ポール・バーコウィッツにピアノを学んだ後、ギルドホール音楽演劇学校にてロバート・サクストンに作曲を師事。ケンブリッジ大学に進学後はアレクサンダー・ゲールとロビン・ハロウェイに作曲を師事。最初の作品「5つのエリオットの風景 Five Eliot Landscapes 」は、1990年に出版されている。1992年に最優秀の成績で大学を卒業。

1993年にピアニストとして22歳でロンドンにデビューした。ソロ活動や室内楽の演奏・録音にも積極的で、これまでにアルディッティ弦楽四重奏団などと共演。録音では、自作の「ピアノ五重奏曲」などのCDがある。また、7:11:15の比率で作曲されたことで有名なコンロン・ナンカロウの「アーシュラのための3つのカノン」の三曲目（この曲はアーシュラ本人が演奏できなかった）を、ナンカロウがデモで遺した自動ピアノのロールから自ら採譜して録音している。伴奏ピアニストとしては、これまでしばしばイアン・ボストリッジやスティーヴン・イッサーリスらとも共演してきた。

1995年に室内オペラ「 Powder Her Face 」によって好評を得るとともに、過激で露骨な性描写によって悪名を馳せる。この作品に描かれた大公妃とは、離婚係争中に、さまざまな性行為に耽る写真を暴露されて1960年代にスキャンダルの渦中の人物となった、アーガイル公妃マーガレット・キャンベル（1912年12月1日 - 1993年7月25日）のことであった。このオペラはチャンネル4によって映像化され、1999年のクリスマスに英国内で放映されたのち、2005年のクリスマスにDVDとして発売された。アデスはこのDVDのサービス映像に出演して、自作の映像化についてコメントしている。

管絃楽曲「アシュラ Asyla 」は、1997年10月にラトル指揮バーミンガム市交響楽団によって初演された。1999年のBBCプロムスでは、アデス手ずからBBC交響楽団を指揮して、「アシュラ」のロンドン初演を行なった。2002年9月7日には、ベルリン・フィルの首席指揮者となったラトルによって「アシュラ」のベルリン初演が行われ、EMIのDVDにも収録された。「アシュラ」は、ラトルとベルリン・フィルの世界的な演奏旅行においてもしばしば取り上げられている。

委嘱作品の「アメリカ、予言 America: a Prophecy 」は1999年11月に行われた、ニューヨーク・フィルハーモニックのミレニアムイベントのための作品である（英国初演は2000年6月にオールドバラ音楽祭において実施）。2004年にはEMIクラシックスよりCDが発売された。

シェークスピアの戯曲による新作のオペラ「テンペスト」は、コヴェント・ガーデン王立歌劇場にて2004年2月に初演され、評論家の称賛を得た。2005年11月にはコペンハーゲン歌劇場でもデンマーク初演が行われている。2006年7月から8月にかけては、サンタフェ歌劇場で米国初演が行われている。ヴァイオリン協奏曲「 Concentric Paths 」はヨーロッパ室内管弦楽団によって2005年9月に初演され、高い評価を勝ち得た。2007年にロンドン・バービカンセンターにて回顧展が催され、サイモン・ラトル指揮ベルリン・フィルハーモニー管弦楽団により、新作「 Tevot 」の英国初演が行われる予定である。また同年には王立歌劇場にて「テンペスト」の再演も決まっている。

現在はほかにオールドバラ音楽祭の芸術監督ならびにバーミンガム現代音楽集団の音楽監督を兼務しており、王立音楽アカデミーの教授にも就任している。

Thomas Adès - Powder Her Face Suite

フィリップ・アントルモン

2009-03-14T18:11:00.002+09:00

フィリップ・アントルモン

フィリップ・アントルモン（Philippe Entremont, 1934年6月6日 - ）は、フランスのピアニスト・指揮者。

フランスのランスで生まれ、早くからピアノを始めた。

8歳でマルグリット・ロンに師事、2年後にパリ音楽院に入学しジャン・ドワイアンに師事した。

17歳でエリザベート王妃国際音楽コンクール（1951年）に入賞。

ロン＝ティボー国際コンクール（1953年）では、最高位の2位と最高月桂冠賞を受賞。

1973年には金澤攝の才能を見出す。

それ以来、現代フランスを代表するピアニスト・指揮者として活躍している。

レコーディングも多い。初来日は1966年。

NHK教育テレビで放送された『スーパーピアノレッスン』モーツァルト編では、講師として出演した。

Je te veux　～　Eric Alfred Leslie Satie　～　Philippe Entremont

saintsaens-pianoconcerto.no4.2ndmovement-philippe entremont

Philipe Entremont - IKIF 2008

アルフレッド・コルトー

2008-12-03T23:44:00.003+09:00

アルフレッド・ドニ・コルトー（Alfred Denis Cortot, 1877年9月26日・スイス、ニヨン - 1962年6月15日・スイス、ローザンヌ）は、20世紀前半のフランスを代表する大ピアニスト、指揮者、教育者、著述家。

略歴
2人の姉の指導ののち、パリ音楽院予備科でショパンから助言を得たことのあるエミール・デコムに、高等科ではルイ・ディエメに師事、1896年にショパンのバラード第4番で一等賞を受賞。しかし、予備クラスを落第したこともあり、サン＝サーンスから酷評されたこともあるなど、音楽院内の評価は当初あまり芳しくなかった（サン＝サーンスは音楽院に直接関係していたわけではないが）。

ピアニストとして楽壇にデビューしたが、ワーグナーの作品に傾倒し、先輩であったエドゥアール・リスレール（1873-1929）に従ってバイロイトに赴き、1896年から1897年までバイロイト音楽祭の助手を務めた。1902年頃からは指揮者として活動、ワーグナーの楽劇『神々の黄昏』のフランス初演を行うなどした。1905年にはヴァイオリニストのジャック・ティボー、チェリストのパブロ・カザルスとカザルス三重奏団を結成、1920年代後半にいたるまで素晴らしい演奏を繰り広げたが、最終的にはティボーとの仲が疎遠になって解散した。第一次世界大戦後はピアニストとして欧米をあまねく巡演、広く賞賛を集めた。

1907年にパリ音楽院の教授に就任したが、「音楽院の育成は、ピアニストだとピアノのことしか出来なくなる輪切りシステムだ」と言いつつ改革を訴えていた。1919年に理想の実現の為、オーギュスト・マンジョとともに自らの音楽学校「エコールノルマル音楽院」を設立し、同年パリ音楽院を辞任。さらに教育活動にも力を注ぎ、朝から公開レッスンを精力的に行った。エコールノルマル音楽院には彼の名を冠したサル・コルトーという響きの優秀なホールがある。

第二次世界大戦に際してはヴィシー政権と関わりをもち、フランスの未曾有の国難に対処しようとしたが、戦後はその責を問われ、フランス国内での演奏の機会を完全に奪われるなど不遇であった。1952年には来日もしており、ベートーヴェンのピアノソナタ第14番「月光」などを演奏した。来日時の演奏中の写真、サインに応じる写真も多く残されている。

芸風
ピアニストとしてのコルトーは、ショパン、シューマンなどのロマン派、フランクからドビュッシーにいたるフランス近代を中心とした比較的狭い範囲をレパートリーとしていた。しかし、当時の録音技術や聴衆層の趣味の制約の為、断念した曲目も少なくない（アメリカ演奏旅行の際にはラフマニノフのピアノ協奏曲を演奏したこともある）。彼の美しいタッチと個性的なテンポ・ルバートを駆使した演奏は、深い詩情と多彩な感情を描き出した比類のないものであり、聴衆に大きな感動を与えた。指揮と教育とピアノに跨って活躍できたからこそ、音楽院の「輪切りシステム」に対して批判的になる事が出来た逸材であった。ワーグナーのフランス初演の録音が一切残されていないことが悔やまれる。

非常に弾き間違いの類いが多かったピアニストだが、これは彼が指揮者としての活動を兼ねる事も考え、驚くほど少ない練習時間で臨んでいた為と伝えられる。それゆえか、弾き間違いがほとんど目立たない古傷のようで、全く演奏技術には問題がないと見られていた。この欠陥は40～50歳代ではほとんど気にならなかったが、60代以降は流石に衰えは隠せなくなり、ライブで忘れるなどの悲劇も1度や2度ではなかったといわれる。これは残されている録音からも、かなりの部分が類推できる。また、シューマンのピアノ協奏曲で見られるように原曲に手を入れる古い流派に属していたこともあり、戦後のピアノ業界からは故意に遠ざけられたことも不運であった。

数多くの録音のほか、『ショパン』、『フランス・ピアノ音楽』といった著作（いずれも邦訳あり）、サラベール社から出版された、一般にコルトー版といわれる『学習版』の楽譜（ショパン、シューマンなど、一部邦訳あり）や、ピアノ演奏のメカニックを体系化して示した『教則本』（邦訳：『コルトーのピアノメトード』）も残されている。『学習版』は弾き方が全くわからない初心者の為に、作品の歴史に至るまで多くの解説を書いてくれてある。

指導
彼は「1日あたり午前中を中心に、5時間以内の練習をするように」と言ったという。これはショパンの「ピアノは1日3時間で、疲れたらその都度休むように」や、ノヴァエスの「主人から3時間以上弾くなと言われていますし、私もそう思うのですよ。」などの演奏哲学に似ており、興味深い。暇さえあれば1日に8時間でも10時間でも練習すればするほど良い、と主張する日本の指導者は多いが、これはリストの「重いピアノで1日6時間」が元祖になっている。コルトーは明確にショパンの側に立っており、演奏の無駄な動きを軽減する為の運指法の確立に努めている。

コルトーの直接の指導を受けた門下生で有名なのはディヌ・リパッティ、クララ・ハスキル、遠山慶子、エリック・ハイドシェックなどがいる。それぞれが非常に強い個性を持っていることから、コルトーの指導方針として、おのおののピアニストの個性を重視する指導法があったようである。

エコールノルマルのマスタークラスでは、彼の指導が「まるで詩人の朗読のようであった」くらい、多くの語彙に富んでいたといわれる。

名演の数々
ショパン：24の前奏曲 - 複数種類あり、戦前のスタジオ録音のものも良いが、晩年のモナコでの公開録音は彼の演奏生活の頂点を示すものと捉えるファンもいる。

シューマン：「子供の情景」、「交響的練習曲」、及び「クライスレリアーナ」において、作品世界を見事に表現した。SP時代のピアノ協奏曲の録音は、多くのピアニストに「デビューならシューマンの協奏曲で」という若手が後を絶たないほど影響を与えた。

リスト：ピアノソナタ - リストの音源はシューマンやショパンほど残されることはなかったが、外面的効果を廃して、ピアノ音楽史上の名作にこれだけの情感を与えた演奏は多くない。

ラヴェル - ミュンシュ指揮のパリ管弦楽団との協演になる左手のためのピアノ協奏曲は、フランス音楽における演奏芸術の一つの頂点をなしていると言って過言ではない。弾き間違いも多いが、カデンツァの濃厚な詩情は他のピアニストを寄せ付けない凄みを持つ。

ブラームス：ヴァイオリンとチェロのための二重協奏曲 - コルトー指揮の録音は多くは残っていないが、ティボー、カザルスとの仲が良かった時期に録音されていたことは幸いであった。テンポがピアノ・ソロのように変化し、一切の乱れもない。

Alfred Cortot rare videos

Alfred Cortot plays Liszt: Hungarian Rhapsody No. 2

Alfred Cortot - IMPROMPTU 1 (CHOPIN)

Alfred Cortot - Greatest Interpreter of Chopin

Alfred Cortot plays Chopin "Barcarolle" Op.60

Cortot plays Scriabin: Etude Op. 8 No. 12 (Piano Roll)

エマニュエル・アックス

2008-11-19T15:09:00.002+09:00

エマニュエル・アックス

エマニュエル・アックス（Emanuel Ax, 1949年6月8日 - ）はポーランド出身のユダヤ系アメリカ人ピアニスト。

来歴
1949年にポーランドのルヴフに生まれ、6歳のとき父の手ほどきでピアノの学習を開始する。8歳の時に家族とともにワルシャワへ移りさらに2年後にカナダのウィニペグへ移住する。1961年にニューヨークに移住し、ジュリアード音楽院のミェチスワフ・ムンツに師事した。また父の薦めによりコロンビア大学へも入学しフランス語を専攻した。

1972年のエリザベート王妃国際音楽コンクールで7位、1974年にテルアヴィヴ国際アルトゥール・ルービンシュタインコンクールに優勝する。 1979年にはニューヨーク・エイヴリー・フィッシャー賞を獲得。

ピアニストの野崎洋子と結婚し、ニューヨークに在住。2児の父である。

レパートリー
バッハから現代音楽まで幅広いレパートリーを持っていて、ソロリサイタルでは基本的にバロックからロマン派までをプログラムに入れている。また室内楽やピアノ協奏曲のコンサートもソロリサイタルと同様に幅広いレパートリーを持ち、ソロに偏ることが無い。

しかしながら録音点数はそのレパートリーの広さに反して決して多いとは言えず、2008年現在、ソロの録音ではハイドンのソナタを3枚、ブラームスのピアノソナタや晩年の小品を含む3枚、ショパンのスケルツオ、バラードなどを含む2枚、リストが1枚と数がかなり限られている。

室内楽や協奏曲の録音は多く、ヨーヨー・マとのベートーヴェンのチェロ・ソナタ全曲録音や、アイザック・スターンらとのブラームスにピアノ四重奏曲やフォーレのピアノ四重奏曲などの録音がある。ベートーヴェンのピアノ協奏曲全5曲もアンドレ・プレヴィン、ズービン・メータらと組んで録音を残している。近年はイェフィム・ブロンフマンと組んで2台ピアノでラフマニノフやブラームスの作品を録音した。

現代音楽についてはジョン・コリリアーノ、ジョン・アダムズやクリストファー・ラウズ、ブライト・シェンらのピアノ曲の世界初演に取り組んできた。また、マイケル・ティペットやハンス＝ヴェルナー・ヘンツェなど。

ジ・エイジ・オヴ・インライトゥンメント・オーケストラとは、19世紀前半のフランス式ピアノを用いて、ショパンの協奏的作品の全曲録音も行なった。

エマニュエル・アックス公式ホームページ

Emanuel Ax - Mozart Piano Concerto No 22 K482

Emanuel Ax - Chopin Waltz Op 34 No 2

Gustavo Dudamel & Emmanuel Ax, Chopin

ホアキン・アチューカロ

2008-11-11T11:09:00.002+09:00

ホアキン・アチューカロ Achucarro Joaquin

1936年11月1日、ビルバオ（スペイン）生まれ、マルグリット・ロン、ギーゼキング、マガロフなど錚々たるピアニストから薫陶を受ける。

1953年、ヴィオッティ国際コンクール第１位。他、コンクール入賞歴多数。

2000年、ユネスコ平和芸術使節に任命。

ロドリーゴ作品集
バレンシア交響楽団
ソニーレコード
発売日 1998-05-21

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ステファン・アスケナーゼ

2008-10-23T16:34:00.001+09:00

ステファン・アスケナーゼ（Stefan Askenase, 1896年7月10日 - 1985年10月18日）はポーランド生まれのベルギーのユダヤ系ピアニスト。マルタ・アルヘリチや内田光子の師。

生涯
ガリツィア（現ウクライナ領）のレンベルク（現リヴィウ）に生まれる。カロル・ミクリの弟子だった母に5歳からピアノの手ほどきを受ける。フランツ・クサーヴァー・モーツァルト（W・A・モーツァルトの息子）の弟子のクサヴェラ・ザハリャシェヴィチに7歳から師事。次いで、レンベルクのルドヴィク・マレク音楽院の教授にして院長であるテオドール・ポラックに師事。1913年にウィーンへ移住し、1914年から1915年にかけてフランツ・リストの高弟エミール・フォン・ザウアーに師事。

第一次世界大戦に従軍した後、1919年にウィーンでデビュー。1920年には、ワルシャワの国立フィルハーモニー（Filharmonii Narodowa）でシューマン、ブラームス、ショパンのピアノ協奏曲を弾いてデビューを飾る。批評家のフランツィシェク・ブジェジィンスキは「完璧なテクニック、的確な暗譜力、驚くべきピアノ・トーンの感覚、華麗な打鍵、そして何よりも並外れた才能と心を打つ解釈──これら全ての要素が、この若きピアニストを従来のヴィルトゥオーゾたちと肩を並べる地位へ一気に押し上げた。将来が極めて有望である」と評した。

ウィーンとワルシャワでの成功の後、オーストリア、ドイツ、フランスで演奏旅行をおこなう。1922年から1925年までカイロの音楽院の教授。1927年にブリュッセルへ移住し、1967年までブリュッセル王立音楽院で教鞭を取る。教育活動の傍ら、全欧や北米、アフリカなど世界各地へ演奏旅行を行う。

D・スカルラッティ、バッハ、ショパン、モーツァルト、ハイドン、ベートーヴェン、シューマン、シューベルト、ブラームス、アルベニスの作品に対する解釈で名高い。

1965年には芸術音楽協会を設立して、ライン河畔ローラントゼックの古い駅舎を改装し、ピエール・フルニエやヘンリク・シェリング、サルバドール・ダリ、そしてアスケナーゼ自身といった芸術家たちのスタジオ会場として使用した。ケルンやボンでは、ピアニストたちのために夏のマスタークラスで教鞭を取る。1955年から1960年まで、ワルシャワのショパン国際コンクールで審査員を務める。1981年には85歳の誕生日を祝し、全欧で85回の演奏会を開いた。西ドイツで死去。

モニク・アース

2008-07-19T18:33:00.000+09:00

モニク・アース（Monique Haas, 1909年10月20日 - 1987年6月9日）はフランスのピアニスト。夫はルーマニア出身の作曲家・マルセル・ミハロヴィチ(Marcel Mihalovici)。

生粋のパリジェンヌで、パリ音楽院でジョゼフ・モルパンとラザール・レヴィに師事し、1927年に首席となる。ルドルフ・ゼルキンやロベール・カサドシュの許でも研鑽を積んだ。世界中で演奏活動を続け、とりわけドビュッシー以降の20世紀音楽の演奏で名声を得た。また、アレクサンドル・チェレプニンのピアノ作品集なども残した。

レパートリー
アースは、第一次世界大戦後に教育を受けたフランス人ピアニストの多くと同じく、ロマン派の作曲家を避けたレパートリーと、フランス音楽の意味深い演奏が特徴的である。フランソワ・クープランやジャン＝フィリップ・ラモーの楽曲が、ハイドンやモーツァルトの作品と並んで、定期的にプログラムを飾った。半面、ローベルト・シューマンの作品やフレデリック・ショパンの練習曲も例外的にレパートリーに取り入れていた。

とはいえモニク・アースの名は、近代フランス音楽の弾き手として最も記憶されている。《12の練習曲》や、《前奏曲集》を含むドビュッシー作品の録音は、グランプリ・デュ・ディスク賞を受賞している。ラヴェル作品では、ピアノ独奏曲だけでなく、2つのピアノ協奏曲を録音しており、特に《ピアノ協奏曲ト長調》は2度録音している。

ベラ・バルトークの作品の解釈でも著名であり、1日違いでバルトークの《ピアノ協奏曲第3番》の世界初演の栄誉を逸した（世界初演のピアニストはジェルジー・シャンドールである）。フランス人以外の作曲家で、アースの関心を惹いたもう一人は、パウル・ヒンデミットであった。アースはヒンデミットのピアノと弦楽のための組曲《四つの気質》の意義深い録音を遺している。

演奏様式
アースと同世代のフランス人ピアニストは、マルグリット・ロンに関連した演奏様式（流麗な演奏技巧や堅く鋭い音色）から離れつつあった。アースの場合は、古いフランス・ピアノ楽派の明晰さや正確さと、コルトーの影響力を物語る暖かな音色とを両立させている。

アースの情緒に溺れない解釈は、とりわけドビュッシーやラヴェルにおいて、作品の多様な解釈を表し、現代的な要素と、クープランら18世紀クラヴサニストの伝統の後継者という要素とを打ち出している。

ラヴェルの《ピアノ協奏曲ト長調》の2つの録音において、アースは魅力的な違いを示している。1948年に作られた古い録音では、ジャズや20世紀の音楽との結びつきが重んじられているのに対し、1965年に作成された録音では、ラヴェルが作曲時に打ち明けたところの「モーツァルト的」な性格が映し出されている。

ウラディミール・ホロヴィッツ

2008-06-11T21:22:00.002+09:00

ヴラジーミル・サモイロヴィッチ・ホロヴィッツ（Vladimir Samoilovich Gorovits(Horowitz), Владимир Самойлович Горовиц(Vladimir Samojlovič Gorovic/Horovyc), 1904年10月1日 - 1989年11月5日) は、ウクライナ生まれのアメリカのピアノ奏者である。名指揮者として知られるトスカニーニの娘婿にあたる。ロシア語ではゴロヴィッツと発音するが、ウクライナ語ではホロヴィッツとなる。

生涯
ホロヴィッツ自身は、ウクライナのキエフで生まれたと主張していたが、ウクライナの小都市ベルディーチェフで生まれたとする説が有力である。彼は1903年に生まれている。しかし、軍隊で彼の手が傷つくことを恐れた父は、徴兵から逃れられるように生まれ年を1年遅い1904年として申告した。1904年を生まれ年とする文献が散在するが、権威筋は1903年が彼の正しい生まれ年であるとしている。幼少の頃よりアマチュアピアニストであった母から手ほどきを受け、1912年にキエフ音楽院に入学し、1919年に卒業。卒業時にはラフマニノフの「ピアノ協奏曲第3番」を演奏している。翌1920年には、初のピアノリサイタルを開催。

彼の名声は瞬く間に高まった。彼はソ連(現ロシア)において国内ツアー(当時の経済的苦境を反映し、ギャラはしばしば、お金ではなくパン、バター、酒で支払われた)を開始し、1926年には初の国外コンサートをベルリンで開催、続いて、パリ、ロンドン、ニューヨークで演奏を行った。1940年米国に居を構え、1944年には米国の市民権を獲得した。

健康上の理由などからしばしば公の活動から退くことがあった。1965年に12年ぶりにカムバックした時の彼のピアニズムは老いたどころか逆に骨太くなり、一層凄みのある演奏を繰り広げた。一時期、処方される薬の影響で指を制御できず「ひび割れた骨董」などと言われる演奏をすることもあったが、その後は老いに負ける事なく最後まで豪快で華麗な演奏をしたピアニストであった。ピアノテクニックの進んだ現在では彼以上にピアノを弾きこなすピアニストは珍しくはないが、いろんな意味で“古き良き時代”の香りを残す演奏をしたホロヴィッツのような演奏家は貴重な存在であったと言える。

フランツ・モアは、スタインウェイ所属の、当時最高クラスの調律師であり、ホロヴィッツだけでなくアルトゥール・ルービンシュタインの調律も同時期に行ったことでも有名である。彼は、引退後にそのころの回想録（邦訳名『ピアノの巨匠たちとともに』）を出版しており、ホロヴィッツとルービンシュタインの対照的な性格を見事に記述している。ホロヴィッツはスタインウェイ・アーティストであった。

結果的に最後のレコーディングとなってしまった小品集のレコーディング（「ザ・ラストレコーディング」として発売）を終えた4日後の1989年11月5日、自宅で食事中に急逝した。ショパンの練習曲数曲の録音は幻となってしまった。

ピアノ演奏技法
ホロヴィッツの「指を不自然に伸ばして演奏するスタイル」は演奏における音色、技巧、刺激的な熱情をしめす。彼が行ったドメニコ・スカルラッティやアレクサンドル・スクリャービンのピアノ作品演奏は伝説的と言われる。その一方で、批判派によれば彼の演奏は一様にホロヴィッツ風の味付けに解釈されており、時には気取り過ぎ、また多くの場合は作曲者の意図(強弱、長短、速度など)を歪曲して弾いている。こういった事はホロヴィッツであるから受け入れられるのであって、他のピアニストが行うと再現音楽の歪曲として非難を受けることになるであろう。この彼独自の演奏法で、演奏中にコントロールを失うことがあり、テンポが非人間的なほどに加速する事も珍しくはなかった。

ホロヴィッツは最初セルゲイ・タルノフスキに、次にフェリックス・ブルーメンフェルトに師事した。「指を伸ばして弾く」奏法は、日本の音楽学校で長年指導されてきたドイツ系に影響される多数派のピアノ奏法とは大きく異なっているが、この奏法はパリ音楽院教授の、コルトー、ペルルミュテールらがその奏法で演奏し、指導も行ったことからわかるように、音色に多様な色彩感を必要とされる印象派の有名な作曲家を輩出したフランスでは、この様な指を伸ばして弾く演奏スタイルは一般的であると言える。一般的に、速度重視で弾く場合は“指を曲げて（立てて）弾く奏法”で弾き、音色重視の場合は“指を伸ばして弾く奏法”で弾くことが多いが、彼の場合、速度が犠牲となる“指を伸ばした奏法”で速度と音色の両方を得ることができたのは驚異的である。しかしそれは彼のために調律したピアノを用いて演奏可能であったと言われている。ホロヴィッツは当初作曲家志望であったものの、家計のためにピアニストを選んだとされる。

レパートリーでは、特にロマン派を得意とするピアニストとして広く知られているホロヴィッツだけあって、特に、ラフマニノフの「ピアノ協奏曲第3番」を作曲家本人に「私よりうまくこの曲を演奏する」と言わしめるほど得意とし、リストの「ハンガリー狂詩曲」などのロマン派の技巧を要する曲なども高く評価されている。また、彼は編曲においても有名である。ピアノ曲向けの高難度編曲としてムソルグスキーの「展覧会の絵」の編曲、超絶技巧を要求する編曲としてリストの「ハンガリー狂詩曲第2番」の編曲がある。この「ハンガリー狂詩曲第2番」の編曲ではFriska sectionの終りに向かって3段譜を鮮やかに弾きこなしつつ、圧倒的なクライマックスを作り上げている。彼はこの編曲を一度だけしか録音していない。それこそが、1953年2月25日にカーネギー・ホールで行なわれた録音である。彼はその演奏を「おそらく生涯一の難曲であった」と回想している。バーバーの「ピアノソナタ」、ラフマニノフの「ピアノソナタ第2番」、リストの「ピアノソナタ」、の諸録音は“悪魔的”と形容されることが許される音源である。

ホロヴィッツのピアノ技法は圧倒的に鋭く豪快で、そして精度の高いテクニックに魔的な魅力を湛えていた。最近は楽譜に忠実という意味での端正なピアニストが多くなっているが、個性という面では希薄になりつつあるとも言える。その意味でホロヴィッツの様なアカデミズム圏の呪縛から解き放たれたようなピアニストは現代では稀有である。しかし、ホロヴィッツの演奏スタイルも、ピアノという楽器全体を揺るがさんばかりに豪快な音を鳴らして歌わせるロシアン・スクールの系譜の上に成り立った変種であることは間違いない。21世紀に入りホロヴィッツの編曲譜は入手が容易になった。

主なレパートリー
ショパン、リスト、シューマン、ラフマニノフ、スクリャービンなどロマン派から近現代にいたる作曲家全般の他、モーツァルト、ベートーヴェン、スカルラッティなど古典も含め、極めて多岐に渡る。また、クレメンティ、ツェルニー、モシュコフスキーといった一般的にマイナーな作曲家なども、彼の好みによって主にリサイタルのアンコールプログラムに取り入れることも度々あった。

また、「カルメンの主題による幻想曲」「死の舞踏」「結婚行進曲による変奏曲」「星条旗よ永遠なれ」(アンコールでこの曲が演奏されるまで聴衆は帰らなかったと言われている)など自身による編曲作品にも定評がある。その他にも17歳の時に兄の誕生日に作った曲「ダンスエキセントリック」（あるパーティーでラフマニノフが演奏中のピアニストを止めさせ、ホロヴィッツにこの曲を弾くように言った）や「エチュード・ファンタジー変ホ長調「波」 Op.2」がある。

来日
ホロヴィッツは1983年に初来日。NHKホールで２回コンサートをした。S席50,000円が即日売り切れとなり話題となった。この初来日のコンサートを取材したNHK番組では、プログラム前半終了時の休憩時間にインタビューを受けた音楽評論家の吉田秀和が「ひびの入った骨董品」と評し、ピアニスト神谷郁代は賛辞を述べるなど評価は分かれた。ホロヴィッツ自身はこの演奏には満足できておらず、日本に留まりもう一度演奏をするとの意思を固く有していたが、詰まった後のスケジュールを変更するわけにもいかず、ある人が朝日新聞に載せられた吉田氏の酷評を英訳したところ「真珠湾攻撃よりも酷い」とポツリと述べた後、帰国の途についた。そしてホロヴィッツは酒や薬を絶った。 2回目の来日となった1986年にも、モスクワ演奏旅行の後に昭和人見記念講堂でコンサートを行う。麻薬中毒から立ち直ったこともあって初来日時よりもコンディションが良く、こちらの演奏はホロヴィッツ本来の芸術性が発揮されたものであった。なお、この時の入場券は28,000円で、1983年の演奏で利用したスタインウェイのピアノは、2007年1月に日本で公開された。

サンソン・フランソワ

2008-05-22T17:38:00.004+09:00

サンソン・フランソワ（Samson François ,1924年5月18日、フランクフルト・アム・マイン - 1970年10月22日、パリ）は、第二次世界大戦後のフランスにおける代表的なピアニストの一人である。主に、ショパンやドビュッシー、ラヴェルの演奏を得意とした。

フランス人の両親の間に生まれる。5歳でピアノを始め、早くから天才といわれた。1934年、一家でニースに戻った時、アルフレッド・コルトーに見出されて1936年にエコールノルマル音楽院に入学、1938年、パリ音楽院に入学後はマルグリット・ロン、イヴォンヌ・ルフェビュールに師事。その後1940年に音楽院を首席で卒業。

1943年には第1回目のロン＝ティボー国際コンクールで優勝。その後1947年にアメリカデビューを飾り、その後も各地で演奏活動を行う。

ドビュッシーのピアノ作品全集を完了する直前、心臓発作のため急逝。46歳の若さだった。亡くなった日（以後）も、レコーディングの予定が組まれていた。

フランソワはロンの最後の生徒の一人であったが、彼の態度は少し他とは一線を画すいたずらっ子のような様相を呈していた（従順ではなかった）ため、ロンも手を焼いたという。

フランソワの特徴は、ムラ気なことであった。気分が乗らないときの演奏は、呂律が回らないほどであり、気分の良し悪しによる演奏の出来栄えの差が大きかった。

フランソワは、酒を愛した人でもあった。また、性格的にも非常に古い芸術家タイプの人間であったので、無機質ですべてが決められたとおりに動くような現代社会において異彩を放つ人でもあった（事実、彼を19世紀のピアニストの生き残り、と評する人もいる）。

日本には3回来日歴あり。来日するたびに酔漢の風貌へ変わっていったと言われる。

デビュー直後は好きと決めた作品なら徹底的に勉強した。「ベートーヴェンは生理的に嫌で受け付けない。モーツァルトなら受け入れてやっても良い」などの発言も残っている。

本人は作曲家としての才能もあると自認していたのか、ピアノ独奏作品「黒ミサ」やピアノ協奏曲を残しており、ピアノ協奏曲には録音もある。しかしながら、ピアノ協奏曲の録音では、張り切っているのはフランソワただ一人であり、共演のオケと指揮は意味不明な音楽に引きずりまわされるという、なんとも19世紀的な我侭を披露した。

フランソワの演奏は独特なもので他の演奏家とは一線を画す場合が多い。また非常に個性的であるため、ピアノを演奏をする人の範とはなり難い。それでも、この独特の演奏は文化的価値の高いものであるため、何度も回を重ねてCDが発売されている。

ラヴェル:ピアノ協奏曲
フランソワ(サンソン)
EMIミュージック・ジャパン
発売日 2004-12-08

フランソワ、ピアノと戯れる 2008-05-01
解釈するという言葉より「演奏する（or 遊ぶ）」という言葉を好んだフランソワらしい演奏。まさに、この瞬間に曲が生まれているかのような新鮮さに溢れています。特にト長調の協奏曲は天性のリズム感が冴えわたり、彼の思いのまま自由自在に指が鍵盤を駆け巡る妙技に惚れ惚れします。左手の協奏曲も素晴らしい！感情を表に出すのを嫌ったラヴェルの心の叫びが、フランソワの指を通じて激しく噴出しているかのような錯覚にとらわれます。

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ドビュッシー:ピアノ集(3)
フランソワ(サンソン)
EMIミュージック・ジャパン
発売日 2003-07-24

煌く才能、輝くドビュッシー 2004-05-10
比較的なじみやすい、またテクニック的にもそれほどあくせくしなくて
弾けてしまう子供の領分、ベルガマスク。しかしフランソワは真摯に、
そして奔放に自分の感性をちりばめた演奏を披露してくれます。
（あのミケランジェリでもベルガマスクは残してくれなかった。それだけでも
フランソワは偉い！）
ただ、声楽や弦楽器で良い印象をもつART盤も、ピアノに関しては？たしかに音が前に出るようにはなり、
ノイズレベルも低下したが、同時に残響、倍音の大切なエッセンスが消えてしまったようで残念。

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ラヴェル:ピアノ曲全集第2集
フランソワ(サンソン)
EMIミュージック・ジャパン
発売日 2006-08-23

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ドビュッシー:ピアノ曲集第2集~映像、他
フランソワ(サンソン)
EMIミュージック・ジャパン
発売日 2007-11-21

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ラヴェル:ピアノ全集(1)
フランソワ(サンソン)
EMIミュージック・ジャパン
発売日 2003-07-24

『鏡』を聴いてみて下さい 2005-04-14
もちろん水の戯れも良いしその他の曲も良いです。たっぷりの響かせ、たっぷりと歌ったラヴェルです。ピアニッシモはかすれず、フォルティッシモは破れない、こういうのをたっぷりとした響きである、と教えられます。フランソワのスケールの大きさに涙するばかりです。
　１９６０年代前半で、フランソワの体調がおかしくなる前の録音なので、テクニックにも破綻がないように思われます。厳密な意味で、というより、あら捜しすればそれはわかりませんが、私にはフランソワに関してはそういうことは不必要だと思っています。
　全集の１では、あえて『鏡』をお勧めいたします。第一曲『蛾』の第一音のなんと丁寧な響きでそのまま引き込んでくれることか。ギーゼキングのさらさらしすぎた弾き方とは違います。『道化師の朝の歌』では、三連符のところではテンポを動かしてはいますが、それが却ってせかせかしない動きというものを表現していて、これもフランソワの世界に引き込まれてしまいます。その他、聴き所はいっぱいあります。
　ただし、いくつかあるフランソワ名物の内の一つ、譜読みの間違いは第一曲にも健在でした。再現部の約１１小節くらい前の小節で、左手ＡＳ－ＡＳの八分音符の分散オクターブを、その一オクターブ半上のＦ－Ｆと弾いているのです。どうやら、ヘ音記号を見落としたのかな？？さもなければ、フランソワの使用楽譜にはト音記号のままだったのか、それとも、「作曲家」フランソワの感興がそのように弾いてしまったのか、謎です。この点を赦せない方は、この演奏の評価は低く見積もると思います。私はこのことで、曲の流れを阻害されませんでした。だから星が５つになってしまうのです。
　フランソワの幻想の世界をお楽しみください。

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ショパン:別れの曲(ピアノ名曲集)
フランソワ(サンソン)
TOSHIBA-EMI LIMITED(TO)(M)
発売日 2007-06-20

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ラヴェル:ピアノ曲全集第1集
フランソワ(サンソン)
EMIミュージック・ジャパン
発売日 2006-08-23

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グレン・グールド

2008-05-14T23:07:00.003+09:00

グレン・グールド（Glenn Herbert Gould, 1932年9月25日 - 1982年10月4日）は、カナダのピアニスト。バッハの演奏において名高く、20世紀を代表する表現者の一人である。

1932年9月25日、トロントに生まれる。母親は、声楽の教師であった。旧姓名は、グレン・ゴールド（Glen Gold）。プロテスタントの家系だが、ゴールドという苗字がユダヤ人に多く、当時高まっていた反ユダヤ主義に巻き込まれることを恐れて、グレンの生後まもなく一家はグールドと改姓した。母方を通じてノルウェーの作曲家グリーグの親類にあたるといわれている（ただし、その証拠となるようなものはないらしい）。

母親からピアノの手ほどきを受けたのち、1940年に7歳にしてトロント王立音楽院に合格。同院で、レオ・スミスより音楽理論を、フレデリック・シルベスターよりオルガンを、アルベルト・ゲレーロよりピアノを習う。1944年、地元トロントでのピアノ演奏のコンペティションで優勝。1945年にオルガン奏者としてデビュー。同年には、カナダ放送協会によりグールドのピアノ演奏が初のオンエア。1946年5月、、トロント交響楽団と共演しピアニストとして国内デビュー、同年10月、トロント王立音楽院を最年少で最優秀の成績で卒業。その後、1952年にはシムコウ湖畔にある両親の別荘に引きこもった。

1955年1月、ワシントンおよびニューヨークで公演。ワシントン・ポスト誌に「いかなる時代にも彼のようなピアニストを知らない」という有名な評が掲載され、コロムビア・レコードが生涯専属契約を申し出る。

同年、バッハの「ゴルトベルク変奏曲」を録音。同作は、1956年に初のアルバムとして発表されるや、ルイ・アームストロングの新譜を抑えてチャート1位を獲得し、その後もベストセラーとなった。同作は、ハロルド・C・ショーンバーグのような大御所批評家からも絶賛され、ヴォーグ誌やザ・ニューヨーカー誌といった高級誌もグールドを賞賛した。その後、メディアは、そのアイドル的容貌と奇抜な性癖を喧伝し、グールドは一躍ときの人となっていった。

1957年には、ロシア及びヨーロッパへの演奏旅行に赴く。第2次大戦以降において旧ソ連へ演奏旅行に赴いた北米初のピアニストとなったグールドは、口コミで瞬く間に演奏会場が満員になり、「バッハの再来」と賞賛を浴びるなど、その演奏により鉄のカーテンの向こうでもセンセーショナルを起こし、演奏方法・解釈、新たな作曲家の認知など、その後のロシア音楽界に多大な影響を及ぼした。その衝撃・影響力・演奏の素晴らしさは、ムスティスラフ・ロストロポーヴィチら当時の最高峰の音楽家達によっても証言されている。

その後、ヨーロッパでは、ヘルベルト・フォン・カラヤン、レオポルド・ストコフスキーらとも共演。1959年には、ザルツブルク音楽祭にも出演した。北米と異なり伝統的で保守的な風潮のあるこれらの国々でも大絶賛を受けたグールドは、世界的なピアニストとしての地位を確立した。

1960年、スタインウェイ社の技術者により肩に傷害を受けたとして、同社を告訴する。その後、スタインウェイ社は賠償金を支払った。

かねてより、演奏の一回性へ疑問を呈し、演奏者と聴衆の平等な関係に志向して、演奏会からの引退を宣言していたグールドは、1964年3月28日のシカゴ・リサイタル[1]を最後にコンサート活動からは一切手を引いた。これ以降、没年までレコード録音及びラジオ、テレビなどの放送媒体のみを音楽活動の場とする。同年には、トロント大学法学部より、名誉博士号を授与された。

1965年、カナダ最北端の地チャーチルまで旅行する。1967年、カナダ放送協会が、グールドの製作したラジオドキュメンタリー「北の理念」を放送する。その後も、「遅れてきた者たち」、「大地の静かな人々」といったラジオドキュメンタリーが放送された。1977年、グールド演奏によるバッハの「平均律」第2巻前奏曲とフーガ第1番ハ長調の録音が、地球外知的生命体への人類の文化的傑作として宇宙船ボイジャー1号・2号に搭載される。

1981年、バッハの「ゴルトベルク変奏曲」を再録音する。しかし、誤解されがちであるが、彼の最後の録音はゴルトベルクではなく、1982年のブラームス「4つのバラード」「2つのラプソディ」であった。同年10月4日、脳卒中により死去。50歳没。

グールドは、一般的なクラシックのピアニストとは一風異なるレパートリーの持ち主であった。

バッハに対する傾倒
デビュー以来、グールドは、活動の基盤を、バッハにおいていた。その傾倒ぶりは、彼のバッハ作品の録音の多さはもとより、彼の著述からもうかがい知ることができる。グールドのデビュー当時、バッハの作品は禁欲的な音楽であると考えられており、ヴィルトオーソ的な派手なパフォーマンスには不向きで聴衆にアピールするのは困難であった上、その鍵盤曲はチェンバロによって演奏すべきとの考えが支配的であった。こういった事情により多くのピアニストがバッハの演奏を避けていたなか、グールドは、デビュー作「ゴルトベルク変奏曲」の録音において、旧来のチェンバロ演奏と異なる軽やかで躍動感あふれる演奏を、より音色豊かなピアノにより実現した。その後も、教材と見られがちであったインヴェンションとシンフォニアを録音して、高度な芸術作品として再認識させるなど、バッハ演奏について多くの業績を残したグールドは、スヴャトスラフ・リヒテルが「バッハの最も偉大な演奏者」とよんだように、バッハ演奏の大家としての名を不動のものとしていった。

モーツァルト・ベートーヴェンへの懐疑
バッハの演奏解釈は最初驚きをもって迎えられつつも、高い評価とともに後の演奏家に絶大な影響を及ぼすようになったのに対して、現在においても評価が分かれているのがモーツァルトやベートーヴェンなどの演奏である。その極端に速かったり遅かったりするテンポ設定や分散和音の多用、逆アルペジオなどの独創的解釈は、高く評価する人々がいる反面、まったくの拒否反応を示す人々が一方にいるといった毀誉褒貶の激しいものである。モーツァルト演奏家として名高いクラウスは、グールドのモーツァルトを聞いた際「あれだけの才能を持っているのだから普通に弾けばよいのに。」ともらしたと伝えられている。

ロマン派への好悪
ロマン派の作曲家についてグールドはかなりはっきりと好悪の見解を示した。いわゆる前期ロマン派に関してはピアノ音楽を除くメンデルスゾーンとブラームス以外は極端に否定的な見解を何度となく述べている。これを反映してブラームスの録音はある程度残されているが、それ以外の前期ロマン派の作曲家については正規録音としてはジュリアード弦楽四重奏団とのシューマンのピアノ四重奏曲Op.47のみである[2]。

それに対して新ドイツ楽派、後期ロマン派の作曲家については、グールドはリストを別にすれば、おおむね好意的な評価をしており、特にワーグナー、リヒャルト・シュトラウス、シベリウスはグールドのお気に入りの作曲家であった。ただこの一群は主要なといえるピアノ作品をほとんど残していないこともあり、グールドはワーグナーで行ったように自身でピアノ用に編曲して録音を残したり、そうでなければややマイナーといえる部類のピアノ曲を残すことになった。

新ウィーン楽派への評価
20世紀の音楽も積極的に取り上げたグールドであったが、特にシェーンベルクに対する評価は極めて高く、演奏頻度、著作などでの言及も多い。一般にシェーンベルク、ベルク、ヴェーベルンの新ウィーン楽派は一まとめにして議論されることが多いが、グールドはこの内ベルクに関しては録音の残されているピアノソナタOp.1を除けば総じて評価は低かったようだ。

ピアノという楽器の中で完結するようなピアニズムを嫌悪し、自分は「ピアニストではなく音楽家かピアノで表現する作曲家だ」と主張したグールドであったが、第1の業績が斬新で完成度の高いそのピアノ演奏であることは異論のないところである。

対位法信仰
グールドは、ピアノはホモフォニーの楽器ではなく対位法的楽器であるという持論を持っており、ピアノ演奏においては対位法を重視した。事実、グールドのピアノ演奏は、各声部が明瞭で、一つ一つの音は明晰であり、多くはペダルをほとんど踏まない特徴的なノン・レガート奏法であった。また、多くのピアニストと異なり和声よりも対位法を重視し、音色の興味に訴えるよりも音楽の構造から生み出される美を問うたことから、ショパンではなくバッハを愛好し、その興味はカノンやフーガにあって、その演奏の音色はほぼ単色でリズムを重視、その奏法は左手を伴奏として使う他の多くのピアニストと異なり、左手のみならず全ての指に独立性を持たせていた。この個性的な演奏法について、グールド自身は、オルガン奏法のリズムによる呼吸法やロザリン・テューレックの演奏の影響を受けていると語っており、その優れた指の独立については、グールドが左利きであったこととの関連性も指摘されている。知的な音楽家といわれるグールドであるが、この対位法に対するこだわりについては頑迷であり、どのような音楽に対しても対位法を通してしかアプローチを行おうとしなかった。晩年にいたるほど、対位法信仰は深くなり、レパートリーの選択、楽曲の解釈、演奏時のテンポ、リズム、タッチ、装飾、ペダリング、録音方法にいたるまで、より対位法を際立たせる手法が用いられていった。また、グールドは、こういった自身の趣向に合う音楽を作り出すために自身のスタインウェイ製のピアノに対してそのタッチを軽くするなどの改造していたこともあり、晩年には、中古のヤマハのピアノも使用していた。

低い姿勢とハミング
グールドは、異様に低い椅子（父親に依頼して作ってもらった特製の折りたたみ椅子で、いつもこれを持ち込んでいた）に座り極端に猫背で前のめりの姿勢になり、時に大きな手振りでリズムを取るといった特異な奏法と斬新な演奏で世間の注目を集めた。坂本龍一は、この伝統的には正しくない姿勢について、上半身の力が過度にかからず、音が非常に清潔でクリアになっていると指摘している。伝統的な「正しい姿勢」による奏法は、強大なフォルテを生み出すと同時に、一つ一つの音の精度を下げているという考え方である。グールド自身も、自身の奏法について、ほとんどの点において有利であるが、「本当のフォルテが出せない」と分析していた。演奏時にはスタジオ内録音の際でも常にメロディーや主題の一部を歌いながら演奏するため、一聴しただけでグールドの「鼻歌」が聞こえ、彼の演奏と分かることが多い。レコーディングエンジニア等が再三注意し止めさせようとしたにも関わらず、グールドは黙ってピアノを弾くことはできないとして生涯この癖が直ることは無かった。しかしこの歌声によって現在弾いている曲の隠れた旋律や主題を分かりやすく聞くことができる。その点で指揮者ニコラウス・アーノンクールに類似するという指摘もある。また、歌っていることにより、旋律がなめらかに聞こえるという者もある。なお、猫背でかがみこむような奏法や指の独立には、その師であるゲレーロの「フィンガー・タッピング技法」の影響も指摘されている。

大胆な解釈
グールドは、作曲者のように演奏をしている。演奏にあたっては、楽譜が指定したテンポ、強弱、アーティキュレーション、装飾記号などを勝手に変更したり、分散和音の一部を強調して繋いで新たな声部を作ったりした。また、和音を分散和音にしたり、当時のピアノ演奏の慣習になかった上方から下方へのアルペジオ、いわゆる逆アルペジオを大胆に使ったことでも有名であった。とりわけ、ゴルトベルク変奏曲の主題アリア第11小節の逆アルペジオは反響が大きく、その後、多くのピアニストが倣うようになった。モーツァルトの演奏においては、装飾記号の無視がはなはだしく、モーツァルトの装飾性を軽蔑していたという。さらに、グールドは、意図的に反復記号を無視して演奏するため、当時リヒテル等から批判されていた。

パルスの継続
グールドは、パルスの継続という独自の演奏法を志向した。ここでのパルスとは、リズムの一定の基準のことであり、パルスの継続とは、楽曲全体をこのパルスによって束ねたうえで、即興的あるいは感情的なリズムの変化やルバートを排することである。ただし、これはリズムの硬直化やアゴーギクの排除を意味するものではなく、基本的なパルスを設定して、それを分割したり、倍加させることは可能である。グールドは、リズムの硬直化に対して懸念さえ表明しており、この点においてロックミュージックやミニマリズムに対して否定的であった。さらに、一部の楽曲では各楽章を通して可能な限りテンポを統一しようとする試みも行っており（その一例が後述のバーンスタインと意見を異にしたブラームスの協奏曲1番である）、この点もまたパルスの継続への志向の一つと考えることもできよう。こういった演奏姿勢は、コンサートをドロップ・アウトしたことともあいまって、評論家の間では、伝統破壊であるとか、アンチ・ヴィルトオーソ的であるなどと評されたが、グールドの晩年には、パルスの継続への志向が功を奏し、音楽全体の統一感がより顕著になり高く評価されるようになった。

演奏会への不信
グールドは、そのデビュー以来、たびたび演奏会への疑問を語ってきた。グールドは、この点について大変に雄弁であり、多くの括目すべきとされる論拠を挙げている。第1は、演奏会の不毛性・不道徳性であり、グールドによれば、演奏会での聴衆は言ってみれば「血に飢えて」おり、演奏者は失敗を畏れて志を失い、ひいては「寄席芸人に身を落としてしまう」という。また、演奏会特有の競争性にも否定的で、「演奏行為は競争ではなく情事である」とも語っている。また、演奏会では、演奏者と聴衆は平等な関係を失っているという。第2には、ライブ演奏の一回性への疑問であり、それを「ノン・テイク・ツーネス」とよび、録音技術の登場によりライブコンサートはその意義を失ったとまで説いた。結局グールドは、コンサート・ドロップアウト後は、どんなに頼まれても演奏会で演奏することはなかった。現在では、コンサートドロップアウトには、後述するグールドの繊細で完ぺき主義な性格や飛行機嫌いも大きな要因であったといわれている。グールドが若い頃の音楽界は、依然として燕尾服を纏い、演奏会で観客を圧倒するパフォーマンスをみせることが優れた演奏家の当然の条件のように思われていたため、グールドの姿勢には、批判の声も多かった。

電子メディアへの情熱
演奏会を否定したグールドは、演奏会の不謬性から解放された存在として電子メディアをとりあげ、最終的には演奏会否定論とは別次元でそれを積極的に評価し、自身の主張を実践していった。その第1は録音である。グールドによれば、かつて西洋音楽界では、聴き手もまた音楽を嗜んでおり、音楽家と聴衆の平等な関係が成立していた。しかし、ヴィルトオーソ的な技術屋の存在と演奏会がその関係を壊してしまった。新しいメディアたる録音は、聴衆を音楽に関与させる力を持ち、両者の平等な関係を回復させるという。録音には、自身の満足できる芸術を創ることができるという長所も見出したグールドは、自身が気に入るテイクを得られるまで何度でも録音をし直し、気に入ったテイク同士を自身で接続したこともあったと語っている。グールドは、録音を映画に喩え、テイクを切り貼りするのは、より良い作品を創るための正当な行為と捉えていた。また、録音行為はグールド個人にとっても心地のよいものであったらしく、スタジオを子宮に喩え、マイクロフォンは自身と敵対することはないとも語っている。録音方法も一風変わったものがあり、例えば、バッハのフーガの技法をパイプオルガンで録音した際には、空気の抜ける音を拾い上げる変わった録音方法を採っている。グールドの作品は、4度グラミー賞を受賞している。第2には、テレビやラジオの活用であり、コンサート・ドロップアウト以降も人々はテレビにおいてはグールドの演奏する姿を見ることができた。グールドは音楽について聴衆を啓蒙する番組も作成した。

芸術家グールド
グールドは、「音楽におけるある種のルネッサンス的人間」と称し、エッセイスト、ドキュメンタリー製作者など、多彩な文化人として振舞った。グールドは、アーティストという存在について、岩山に群がり常に頂上を目指そうとする猿のようで、視野が狭く客観的尺度で物を見ることができないと指摘、アーティストとしての価値は対象としている世界から隔絶していることだと主張し、外交官、放送関係の人間、自由な思想のジャーナリストといった俯瞰的なものの見方が出来る人々に関心を抱いた。

思想家・批評家としてのグールド
グールドの数多い著述は、ときに思想的であり、とりわけ芸術と道徳に関してはグールドは雄弁であった。「芸術の目的は、瞬間的なアドレナリンの解放ではなく、むしろ、驚嘆と静寂の精神状態を生涯かけて構築することにある」という言葉は特に有名である。マーシャル・マクルーハンに影響を受けたメディア論も有名で、マクルーハンの名を挙げて多くのメディア論を展開している。音楽そのものについては、シェーンベルクに関する論考が大変多いことも知られている。グールドは、作品に対する批評としてのピアノ演奏を数多く行っている。その演奏姿勢は、演奏は作曲者に対する敬意なくして価値を持たないと考える保守的な聴衆から多くの批判を受けている。また、現在、グールドの演奏・著述などから、その音楽思想について多くの論考がされており、グールドの音楽思想を音楽における一種の構造主義と捉える向きもある。

ドキュメンタリー製作・メディア活動
グールドは、ラジオドキュメンタリーを製作している。特に有名なものが「北の理念」「遅れてきた者たち」「大地の静かな人々」の通称「孤独三部作」であり、グールドの北への憧憬、カナダ北部の辺境で生活して隔絶を体験することで人生を豊かにした人々への賞賛がこめられた内容となっている。ここでは、グールド自身が採集してきた複数のインタビューを、発言の意味や韻を考慮して、ポリフォニックに構成し直すというアイデアが使われており、対位法的ラジオとも呼ばれている。グールドは、テレビ番組の制作にも多くかかわっている。ここでは、グールドの変装(とりわけカールハインツ・シュトックハウゼンの物真似は有名である)や皮肉交じりのコメントなど、グールドの知的でエキセントリックな側面を垣間見ることができる。

作曲家志望・指揮活動
グールドは、幼少より作曲をし、また、彼に関する著作やインタビュー等からも早々にピアニストとしてのキャリアに終止符を打ち、作曲家になることを表明していた。しかし、グールドは自分の作品をブラームスあるいはシェーンベルクの焼き直しだとして、個性的な作品にならないことに憂慮を持っていたようだ。現実には、少なくない数の作曲を手がけていたにもかかわらず、（最後の1ページを残して）その大部分が未完成のまま放置された。その結果、生涯を通じてシリアスな音楽として世に問われたのは「弦楽四重奏曲」Op.1だけである。それ以外の発表されたグールドの作品は、協奏曲のカデンツァ、あるいはやや冗談音楽の部類に属する音楽であり、結局のところ彼は作曲家として大成はしなかった。なお、彼のラジオドキュメンタリーの一部作品を彼の作曲行為だとみなす見解もある。指揮活動にも興味を示したが、比較的若い時期の一時期と最晩年の活動のみで、大成するに至らなかった。

グールドの性格
グールドには、一般的に人嫌いで孤独な隠遁者のイメージがある。グールドは、自らの私生活を隠す傾向にあり、そのプライベートの姿は一般にはあまり知られていなかった。その死後、書簡などからユーモラスで人懐っこい側面や多感な親交があったことがあきらかになった。

最後のピューリタン
グールドは、最後の清教徒と称し、「大衆が嫌い」であると公言、極度の潔癖症で他人との接触を嫌うことが多く、握手するのを嫌がることすらあった。デビュー間もない頃のロシア公演でも、晩餐会等への出席を拒絶した。グールドは、自閉症あるいはアスペルガー症候群ではないかとも指摘されている。もっとも、グールドは、当時の新技術として浮上してきたメディアの価値は認めており、むしろ積極的にメディアへ露出していった。写真を撮られることも苦とは感じていなかったようで、多くの写真が残されているおり、音楽性のみならず性格的にもグールドにはナルシスティックな一面があったともいわれている。また、グールドには、成人後も幼稚で自己中心的な部分があったといわれており、スタインウェイ社との訴訟もこの性格が原因であるといわれている。なお、グールドは、生涯、結婚はしていない。

親交
グールドには、一時期において恋人がいたこと、生涯を通して従姉妹にあたる女性と親交があったこと、深夜に親しく長電話をする友人がいたことなど、決して完全な孤独者ではなかったことがわかっている。また、ユーディ・メニューインなどの共演者からの評判も良かった。リヒテルとは、グールドのロシア公演での出会い以来、親交を築き、その後も文通をしていたという。アルトゥール・ルービンシュタインとも生涯を通して仲が良かった。また、グールドは、動物をとても愛したことが知られており、愛犬への手紙も多数残されている。グールドの死後、その遺産の半分は、動物愛護協会に寄付されている。

グールドの功績
グールドの最大の功績は、バッハ演奏における新たな演奏スタイルや解釈を世に示し、それに対応した確固たる到達点を構築したことであるといわれている。バッハ以外の作曲家についても、そのアプローチの仕方に一石を投じて以降の音楽家に影響を与えたり、その録音を愛する多くのリスナーを生んでいる。また、アーティストと聴衆やメディアとの新たな関係性を提示したことも功績に数えられている。

広いファン層
グールドの活動・作品は、クラシックの伝統上は多くの意味においてスタンダードとはいえなかったが、反面、その類まれなるテクニックに裏打ちされた声部の弾き分け、躍動するリズム感、グールド特有の叙情性は、多くの人を魅了し、クラシック音楽の愛好家に限られず、幅広いファンを獲得してきている。クラシック音楽のオールタイムベストには必ずといっていいほどグールドの作品が名を連ねている。アストル・ピアソラのような他ジャンルの音楽家やエドワード・W・サイードやロラン・バルト[5]のような現代思想の専門家にもファンが多いのも特徴的である。また、ヴァレリー・アファナシエフ、ファジル・サイなど、多くの音楽家に影響を与え、敬意を受けている。

オマージュ
グールドの死後、カナダにおいてグレン・グールド賞が創設され、メニューインや日本人作曲家武満徹等がこれを受賞している。また、ドミトリー・シトコヴェツキーは、グールドの演奏にインスパイアされて、ゴルトベルク変奏曲を弦楽三重奏に編曲して、グールドに捧げている。さらに、グールドの1955年のゴルトベルク変奏曲の録音を、最新のテクノロジーで再創造する試みも行われており、グールドの録音は一種の楽譜として評価されている。

アイドル視
グールドは、1955年のゴルトベルク変奏曲のレコード発売時のプロモーション以来、その端正で美しい容貌でアイドル視されていた。実際、若い頃のグールドは、後述のバーンスタインが、「グールドより美しいものを見たことがない」と述べたように、天使のような美少年であった。そして、特異なファッションや奇抜な逸話が、さらにその人気に拍車をかけた。たとえば、彼は真夏でもコートを着て、ハンチングの帽子をかぶり、手袋をして人前に現れた。食べ物、飲み物に異常にこだわり、どこへ行くにもミネラル・ウォーターを持参し、絶対に水道水を直接に飲まなかった。普段はビスケットを少量とフルーツジュース、サプリメントなどしか取らなかった。演奏前には、湯に30分近く手をつけて温め、一部の楽曲は、足を組んで演奏していたといった具合である。

他の演奏者とのトラブル
グールドは、その演奏時、父親が作った椅子以外には座らないといったこだわりをもっていたり、前述したハミングを演奏中に行ったり、演奏中に指揮したりする癖があることなどから、以下のように指揮者等とトラブルが絶えなかった。

1962年、カーネギー・ホールでの定期演奏会において演奏予定のブラームスの協奏曲第1番のテンポについて、レナード・バーンスタインと論争になり、「who is the boss? solist or conductor.」といった記事が新聞に掲載されるなどの騒動となった。結果、バーンスタイン自身が、演奏会の前に、グールドの解釈には自分は反対であるむねを表明してから演奏をはじめるといった前代未聞の事態になり、前述のショーンバーグからも批判された。もっとも、バーンスタインは、グールドの才能は高く買っており、「彼の紡ぐ音は、常に新鮮で間違いがない」と評価しており、グールドと個人的な親交もあった。

オーケストラと共演中にも空いた手で大きく手を振るため、正指揮者がいるにも関わらずオーケストラを指揮しようとしているように見え、カラヤンに「君はピアノより指揮台がお似合いだ！」と皮肉を言われる。

ジョージ・セル、クリーブランド管弦楽団のコンサートに出演した際、そのリハーサルにおいて、三十分間ずっと自身の座る椅子の高さの調整をしたため、堪え切れなくなったセルの怒りを買ったという有名なエピソードがある。しかしこの話は、ジョナサン・スコットのグレン・グールドとの対話でグールド自身によって否定されている。グールドによると音楽上の若干の齟齬はあったものの、恙無くリハーサル、本番とも行われた。語られているようなことは何も起こっておらず、不思議に思ってこの話を掲載したTIMES誌に問い合わせてみると、驚いたことにこのデマの出所はセル自身であったという事である。むしろこの両者はお互いの音楽性を認め合っており、セルは自分自身が振ることはなかったが、その後もクリーブランド管のソリストとしてグールドを招き入れ、グールドの方もセルのレコードが音楽の内容の良さに対してあまり売り上げが芳しくないことを指摘していた。

朝比奈隆は、イタリアでグールドと共演した際に、グールドがリハーサルに欠席したことなどに立腹気味であったものの、いざ演奏（グールド自身が選曲したベートーヴェンのピアノ協奏曲第2番）が始まると、楽団員とともにグールドの演奏に衝撃を受けたという。

グールドは、左利きであったため、活動初期にオーケストラの指揮を行なった際に当時は左利きの指揮者が珍しく、手の振りが右利きの場合と比べて左右逆になるため戸惑った楽団員もいたという。
　
グールドの健康面はとても不安定で、ビタミンの錠剤や抗生物質などの錠剤を常用していた。その量は、現在からすれば、身体に悪影響を及ぼす量であったという。
　
グールドは、レコードの売り上げには大変な関心があったが、金銭自体にはあまり興味が無く、収入は多くを友人、知り合いの行っている慈善団体などに寄付していた。
　
グールドは、文学青年であり、夏目漱石の「草枕」、トーマス・マンの「魔の山」は特にお気に入りで、前者は、ラジオ番組で自身が朗読したこともあったという。
　
ヴラジーミル・ホロヴィッツに対して、グールドは生涯、否定的あるいはライバル視していたようであり、ホロヴィッツの「ヒストリック・リターン」に対するあてつけのラジオ番組「ヒステリック・リターン」を制作したほどである。この両者は、最後まで親交を持つことはなかったと言われている。ただ、グールドの訃報に際し、最初に届いた弔電の一つは、ホロヴィッツからのものであったという。

Glenn Gould plays Bach

Glenn Gould - Bach Partita No.6 (1 of 3)

Glenn Gould: The Alchemist - The Retreat (1 of 6)

Glenn Gould: The Alchemist - The Retreat (2 of 6)

Glenn Gould: The Alchemist - The Retreat (3 of 6)

Glenn Gould: The Alchemist - The Retreat (4 of 6)

Glenn Gould: The Alchemist - The Retreat (5 of 6)

Glenn Gould: The Alchemist - The Retreat (6 of 6)

Beethoven - Bagatelle No.3 Op.126

Glenn Gould - Beethoven's "Emperor" Concerto 1/4

Glenn Gould - Beethoven's "Emperor" Concerto 2/4

Glenn Gould - Beethoven's "Emperor" Concerto 3/4

Glenn Gould - Beethoven's "Emperor" Concerto 4/4

Gould plays Mozart

アルトゥール・ルービンシュタイン

2008-04-10T00:59:00.004+09:00

アルトゥール・ルービンシュタイン（ Arthur Rubinstein, 1887年1月28日 - 1982年12月20日）は、ポーランド出身のピアニスト。

前半生はヨーロッパで、後半生はアメリカ合衆国で活躍した。ショパンの専門家として有名だが、ブラームスやスペインのピアノ音楽も得意とした。20世紀の代表的なピアニストの1人である。

ウッチのユダヤ人の家庭に生まれる。ワルシャワで勉強し、ベルリンでカール・バルトに師事する。ヨーゼフ・ヨアヒムにブラームスのピアノ協奏曲第1番の演奏を聴いてもらい、その解釈を激賞される。

1898年にベルリンでヨアヒム指揮の下、モーツァルトのピアノ協奏曲第23番を演奏しデビュー。1904年にパリに行き、フランス人作曲家のサン＝サーンスやポール・デュカス、ラヴェルらや、ヴァイオリニストのジャック・ティボーと面会する。アントン・ルービンシュタイン国際ピアノコンクールで優勝するが、ユダヤ人だったために審査員や聴衆から人種差別を受けたと後に語っている。

1906年にニューヨークのカーネギー・ホールで行なったリサイタルは聴衆に支持されたようだが、評論家から批判が相次いだため4年間、演奏活動を中止して自らの技巧・表現に磨きをかけた。その後アメリカ合衆国やオーストリア、イタリア、ロシア、スペインで演奏旅行を行なった。特にスペインでは聴衆の圧倒的支持を受け、多数の追加公演を行った。1912年にはロンドンデビューを果たす。

第一次世界大戦中は主にロンドンに暮らし、ウジェーヌ・イザイの伴奏者を務めた。1916年から1917年まで、スペインや南米を旅行し、同時代のスペインの作曲家に熱狂して多くの新作を初演する。1932年にしばらく演奏生活から隠退して、数年のあいだ演奏技巧やレパートリーの改善に取り組んだ。この年に指揮者エミル・ムリナルスキの娘アニエラと結婚し、4人の子供をもうけた。娘エヴァは神学者・聖職者・反戦運動家のウィリアム・スローン・コフィン師と結婚し、息子ジョンは俳優となった。

第二次世界大戦中はアメリカ合衆国に暮らし、1946年に米国籍を取得。

1960年ショパン国際ピアノコンクールの審査委員長を務めた。このときの優勝者がマウリツィオ・ポリーニであり、このときのルービンシュタインのコメント、「我々の誰よりも上手い」で大変有名になった。

1976年、眼の中央に黒点が見える奇病「飛蚊症」が原因による視力低下により引退。引退後、自伝「華麗なる旋律」を執筆。

1982年、ジュネーブで死去。

特にソリストとして有名ではあるものの、卓越した室内楽演奏家でもあり、シェリングや、フルニエ、グァリネリ四重奏団、などと組んで、モーツァルトやベートーヴェン、シューベルト、シューマン、ブラームス、ドヴォルザークの作品を録音した。

ハイフェッツ及びエマーヌエル・フォイアーマン（のちにピアティゴルスキー）とのピアノ・トリオは有名で、ラヴィニアの音楽祭で共演した際に、宣伝担当者が「百万ドルトリオ」と名づけた（ただし、ルービンシュタインはこの呼び名をひどく嫌っていた）。しかし、ハイフェッツとは作品の解釈や、どちらの名が先にレコードのジャケットに表記されるべきかをめぐって常に揉め、芸術的にも人間的にも対立点が多く、1950年を境に2度と共演はおこなわなかった。

「百万ドル・トリオ」の華麗な演奏マナーを反省し、シェリングやフルニエと組んで録音したブラームスのピアノ三重奏曲全集は1975年に、同じ顔ぶれによるシューベルトのピアノ三重奏曲集は1976年に、それぞれグラミー賞を授与されている。そのほかにも2度グラミー賞に輝いている。

20世紀前半当時の現代音楽を奨励した彼へ大作曲家が多数献呈しており、ストラヴィンスキー《「ペトルーシュカ」の3つの断章、ピアノ・ラグ・ミュージック》、ヴィラ＝ロボス《赤ちゃんの一族、野生の詩》、チャベス《ルビンシュタインの為の練習曲》、シマノフスキ《第二ソナタ、マズルカ》、モンポウ《歌と踊り第6番》、ファリャ《アンダルシア幻想》、プーランク《組曲》、タンスマン《ルービンシュタインに寄せるオマージュ》、といった具合にピアニズムの粋を追求した作品が書かれた。

「結婚前のルービンシュタインはミスタッチや度忘れもあって、めちゃくちゃだ！」とスヴャトスラフ・リヒテルが批判したが、その彼がほとんど現代音楽に関らずにいたことを考えると、活動路線の対比が興味深い。結局、後のリヒテルがシマノフスキの第二ソナタを譜めくりつきで演奏したのは、明らかにルービンシュタインを攻撃する為であったと伝えられる（しかし、リヒテルは自身の手帳に、晩年のルービンシュタインの自宅で楽しい時間を過ごしたことを書き留めている。また、ルービンシュタインも評論家ベルナール・ガヴォティに宛てた手紙の中で、「今日、私が最も尊敬するのはリヒテルです。物の考え方も姿勢も私とは全く異なりますが、我々全ての中で、最も偉大な音楽家であるという理由からです。」と述べている）。

戦後は読譜力の低下から現代音楽を手がけることはほとんどなく、専らロマン派以前のレパートリーに回帰したが、カーネギー・ホールで初めてシマノフスキを取り上げるなど、かつての作曲家との恩は忘れなかった。

ルービンシュタインのレパートリーは古典派から現代音楽に及ぶ。当時ようやく広がってきたレコード録音にも興味があり、SP期から約50年近くにわたって数多い。中心はショパンでありマズルカやポロネーズ、ノクターンなど、録音技術の進歩に伴い複数回残している。非常に雄大ながら大味。技術的に高度な曲目をいかにも難しい曲のように演奏するので、若い時分には支持が少なかった。

しかし後年の記録映画「カーネギー・ホール（1946年）」で英雄ポロネーズを披露している。一台のピアノからごう音が響き渡り、前人未踏の高山に登るような演奏をしている。同一曲の聞き比べにより、今では貴重になった「19世紀の大芸術家」の演奏様式を知ることができる。また協奏曲にもハイティンクやプレヴィンらとの共演で、映像を残している。

Rubinstein "Heroic" Polonaise

Arthur Rubinstein plays Liszt.

Arthur Rubinstein plays "La campanella"

Artur Rubinstein Plays Mendelssohn Spinning Song

Rubinstein Plays Schubert Impromptu

Rubinstein, A - Chopin - Etude As-du
r op.25 n 1

Rubinstein, A - Chopin - Etude in Ges-dur, op. 10 n 5

Artur Rubinstein Plays Chopin Scherzo No.3 Op39

スヴャトスラフ・リヒテル

2008-04-08T01:28:00.005+09:00

スビャトスラフ・リヒテル（Святосла́в Теофи́лович Ри́хтер、Sviatoslav Teofilovich Richter、1915年3月20日 - 1997年8月1日）は旧ソヴィエトを代表するピアノ奏者のひとり。ドイツ人を父にウクライナで生まれたが、主にロシアで活躍（ただし在留ドイツ人として扱われた）。その卓越した演奏技術から20世紀最大のピアニストと呼ばれた。

リヒテルは、ピアニストの両親のもとにウクライナで生まれた。独学でピアノをマスターした後、オデッサ歌劇場で働き始める。22歳になってからモスクワ音楽院に進み、本格的にピアノを勉強し始めた。そのとき、彼の教師ゲンリフ・ネイガウスは「何も教えることがなかった。」という言葉を残している。

30代になってからピアニストとして遅咲きのデビュー。そのインパクトは大きく、冷戦で対立していた西側諸国でも「鉄のカーテンの向こうに恐ろしいほどのピアニストがいる」とささやかれるほどだった。死後に残されたプライベートレコーディングの中には超絶技巧を要することで知られるショパンの練習曲の作品10の4のビデオが残されているが、全曲を1分32秒で演奏しており、恐らくはこの作品の最高速演奏と言われている。しかもその演奏はエキセントリックなムードに終わってはいないのである。

超絶技巧を要求する曲を難なく弾きこなすリヒテルの手は大変巨大であり、12度程度を楽に押せたという。加えて、リヒテルはピアニストの中でも大変な練習魔として知られていた。ある者が弟子にしてくれと彼に頼み込んだのに対し、「何か教えることがあるのだとすれば、それは自分に対してなので」との理由で断ったり、なぜ指揮をやらないのかと問われた際に、「ピアノを弾く時間が減ってしまうので」と答え、年老いて、かつてのような指捌きができない悔しさに泣き出した等のエピソードが残っている。

リヒテルは、音楽以外にも数々の芸術に優れていた。特に絵画はプロ並みの腕前をもち、演奏旅行で印象に残った風景を、後に寸分の狂いも無くキャンパス上に再現したといわれる。文学者のパステルナークとは大変に親しい友人であり、パステルナークが音楽家への道を断念したのは「スクリャービンとリヒテルの才能の大きさを目の当たりにしたから」である。

リヒテルが愛用したピアノはヤマハだった。彼は、「柔軟で感受性が鋭く、特にピアニシモが非常に美しい。私の表現したい心の感度を歌ってくれる」と語っている。（このコメントは本当にリヒテルの本心から生まれた発言なのかは今でも外資ピアノ関係者の間で意見が分かれている。）NHKのドキュメンタリー番組プロジェクトXでも以前取り上げられた。

このいきさつには彼の演奏メソッドにも関っている。彼のピアノ奏法に上部雑音が多く（全盛期の演奏では録音ですら確認できる）、それを軽減してくれる最良のメーカーがヤマハだったからと言われる。彼は通常の鍵盤から離れて打つロシアン・メソッドの他に、腕力で鍵盤を強く圧する独特の癖があり、この癖にヤマハのピアノが良く耐えたからとも言われている。実際、当時の演奏写真でも手首をかなり下げて圧力をかけている様が確認できる。

晩年はグリーグの抒情小曲集のみでリサイタルを行うなど、既成のコンサートマナーへの挑戦的な態度は最後まで持続し、技巧の衰えを豊かなタッチで補いつづけていた。「ロシア三大ピアニストは、リヒテル、ギレリス、そしてペトロフだ」という評価は未だに揺るいでいない。この三人以上の技術を持つロシアのピアニストは増えたにもかかわらず、真の後継者は未だに現れてはいない。

1915年3月20日スビャトスラフ・リヒテル、ウクライナに生まれる
1931年(16歳) オデッサ歌劇場のピアノ伴奏者になる
1934年(19歳) オデッサで初リサイタルを催す
1937年(22歳) モスクワ音楽院入学
1940年11月26日(25歳) モスクワ音楽院小ホールでプロコフィエフのピアノソナタ第6番を初演、リヒテル伝説が生まれる
1942年7月5日(27歳) リヒテルのデビュー演奏会が開かれる
1945年(30歳) 全ソビエト音楽コンクールピアノ部門で第1位受賞
1950年(35歳) 初の国外演奏旅行へ出かける
1953年(38歳) スターリンの葬式で演奏
1958年(43歳) ソフィア（ブルガリアの首都）で行ったコンサートの「展覧会の絵」が西側でもレコードとして発売される。ソフィア・ライブとして知られる名演奏
1960年(45歳) 西側へデビュー
1970年(55歳) 日本初公演
1997年(82歳) モスクワで死去

Richter plays Chopin Revolutionary Etude

Sviatoslav Richter plays Chopin Ballade No. 1, Op. 23

Sviatoslav Richter plays Chopin Etude op.25 no.5

Richter plays Rachmaninoff

Sviatoslav Richter plays Bach

Richter plays Prokofiev

Sonate Nº 23 op 57 "Appassionata" played by Richter

Sviatoslav Richter plays Chopin Scherzo no. 2 Op. 31

ソフィア・リサイタル
リヒテル(スヴャトスラフ)
ユニバーサルミュージッククラシック
発売日 2007-09-26

歴史的録音なので、音質（モノラル）に多少難ありですがそれを打ち破る演奏 2008-02-28

この展覧会の絵の演奏はすごい。
録音が古いため、音質はFMラジオ以下ですが、それを打ち破る美しい演奏。

歴史的名演とは、こういうものを言うんだろうなと思いました。

バーバ・ヤーガの小屋→キエフの大門の豪放磊落な演奏・ショパンの別れの曲の美しい響き。
これを同じライブで同じピアノで出せるのは、やはりリヒテルさんしかいないのでしょう。

リストの超絶技巧練習曲　鬼火も、かるーーく引いているような感じで、いかにリヒテルがすごい人だったのか、これを聞いただけでもわかります。

さらに詳しい情報はコチラ≫

ベートーヴェン:ピアノソナタ第30番&31番&32番
リヒテル(スヴャトスラフ)
ユニバーサルミュージッククラシック
発売日 2007-09-26

さらに詳しい情報はコチラ≫

ベートーヴェン:ピアノ・ソナタ第17番
リヒテル(スビャトスラフ)
EMIミュージック・ジャパン
発売日 2004-06-23

今でも頂点に君臨するテンペスト 2007-11-16

“リヒテルのテンペスト”は、LPの時代から大好きで何度も聴いてきました。
終始息を潜めて聴かなければならないほどの高い緊張感に包まれた神秘的な演奏だと思います。

今ではポリーニによるさらにスタイリッシュな録音も聴くこともでき、比較するとこちらは多少野暮ったく感じられてしまいますが、この録音の絶対的存在価値が下がることはあり得ません。

さらに詳しい情報はコチラ≫

チャイコフスキー：ピアノ協奏曲第1番変ロ短調/ラフマニノフ：ピアノ協奏曲第2番ハ短調
リヒテル(スヴャトスラフ)
ユニバーサルミュージッククラシック
発売日 2001-10-24

2007-11-02
リヒテルのラフマニのコンチェルトは特にお勧めしたいです。
そのパワフルな演奏にはまだ余裕すら感じられる。

聴き終わった後に感動が覚めず、また何度でも聴き返してしまう。
この曲に関しては歴代最高ではないでしょうか？

さらに詳しい情報はコチラ≫

Sviatoslav Richter Chopin Etude Op. 25 n. 2 London 1989

セルゲイ・ラフマニノフ

2008-04-05T20:50:00.003+09:00

セルゲイ・ヴァシリエヴィチ・ラフマニノフ（Сергей Васильевич Рахманинов,Sergey Vasilievich Rachmaninov）

1873年4月1日（当時ロシアで用いられていたユリウス暦では3月20日） - 1943年3月28日）

ロシアの作曲家、ピアニスト、指揮者である。

彼の姓「ラフマニノフ」はRachmaninovの他に、Rachmaninoff, Rachmaninow, Rakhmaninov等と表記されることがある。「セルゲイ」の部分も同様に、Sergei, Serge等としばしば表記されるが、これらは全てキリル文字表記Сергей Рахманиновの転写である。ラフマニノフ本人は欧米でSergei Rachmaninoffと綴っていた。

生地は従来ノヴゴロド州オネグとされてきたが、近年の研究では同州セミョノヴォに生まれ、生後間もなくオネグに移ったとされる。裕福な貴族の家系の出身だが、作曲家が生まれた頃にはすでにかなり没落していたらしい。

5歳の時に母から最初のピアノのレッスンを受けた。オネグは自然に恵まれた地方で、多感な少年時代をおくった。母は厳格で内向的な人柄、父は陽気であった。9歳の時ついに一家は破産し、オネグの所領は競売にかけられ、ペテルブルクに移った。ペテルブルグ音楽院では、教科書の間にスケート靴を隠して出かけるような不良学生であったが、12歳の時、ピアニストの従兄アレクサンドル・ジロティに見いだされ、モスクワ音楽院のニコライ・ズヴェーレフの家に寄宿しながらピアノを学ぶことになった。

モスクワ音楽院では、ズヴェーレフに厳しい教えを受け、アントン・アレンスキーに和声を、セルゲイ・タネーエフに対位法を学んだ。後には、ジロティにもピアノを学んだ。ズヴェーレフとは作曲をやりたいという意向で対立し、親戚のサーチン家に身を寄せることになり、将来の妻と出会った。アレクサンドル・スクリャービンとは同級であった。

18歳（1891年）にモスクワ音楽院ピアノ科を大金メダルを得て卒業した。ゴールドメダルは、通例、首席卒業生に与えられたが、当時双璧をなしていたラフマニノフとスクリャービンは、どちらも飛びぬけて優秀であったことから、金メダルをそれぞれ首席、次席として分け合った（スクリャービンは、小金メダル）。

同年ピアノ協奏曲第1番を完成。1892年には同院作曲科を卒業。17日間で歌劇『アレコ』を書き上げ、金メダルを受領。歌劇『アレコ』はチャイコフスキーの目にとまり、翌年（1892年）ボリショイ劇場で上演されたが、チャイコフスキーは同年に死去。この影響で、ピアノ三重奏曲「悲しみの三重奏曲」を作曲した。ちなみに、チャイコフスキーも友人の死を悼んで同名の曲を作曲している。

ラフマニノフの最初の交響曲第1番は1897年に初演されたが、ツェーザリ・キュイをはじめとする批評家に酷評された。その理由はアレクサンドル・グラズノフの指揮が放漫でオーケストラをまとめ切れていなかったこと、ロシア聖歌の旋律を執拗に用いた長大な作品が当時の聴衆に受け入れらなかったことなどが考えられる。この失敗は、ラフマニノフに神経衰弱ならびに完全な自信喪失を引き起こした。

その後、マモントフ・オペラの第二指揮者の地位に就き、シャリアピンとの交遊を持つ。シャリアピンの結婚式では、介添人の一人として立ち会った。この間、交響曲第1番の失敗の後、ごくわずかの曲しか作曲されていない。

作曲家としてのラフマニノフに決定的な影響を与えたのは、精神科医ニコライ・ダーリとの出会いであり、彼に心理療法を受けることによって徐々に自信を取り戻していった。
ダーリは、ラフマニノフに「あなたは素晴らしいピアノ協奏曲を作る」という暗示療法を行い、その顕著な成果はピアノ協奏曲第2番（1901年）として実を結んだ。ラフマニノフはこの曲をダーリに捧げた。
この曲は作曲者自身の独奏により初演され、非常に好意的に受け取られ、現在でも最も人気がある作品である。ピアノ協奏曲第2番は作曲家としての名声を確立し、ラフマニノフは有名な尊敬されるピアニストとなった。ダーリはアマチュアのヴィオラ奏者でもあり、この作品の演奏を受け持つこともあったが、演奏終了後は彼個人への拍手が止まなかったとも言われる。

1902年には従妹のナターリア・サーチナと結婚し、半生を共にする。当時、従姉妹との結婚には皇帝の許可証が必要であった。

1904年にボリショイ劇場の指揮者となり、約1年間務める。神経を集中して指揮に取り組んでいたため、楽員には気難しくやかましい指揮者と恐れられた。

1909年にはピアノ協奏曲第3番を完成。秋にはアメリカ合衆国への演奏旅行を行い、その際はピアニストを務めた。この旅行はアメリカでの人気を高め、1917年のロシア革命を逃れて、1918年に合衆国に移住した。移住先では自活するために演奏活動に多くの時間を費やす必要があったので、新しい作品は少なくなっていった。アメリカでは、ピアノ制作者のスタインウェイと親交を深め、幾度かピアノを贈呈されている。

1931年にスイスのルツェルン湖畔に別荘（セナール）を建て、ヨーロッパとアメリカ合衆国を行き来しながら演奏活動を続ける。「セナール(Senar)」は、セルゲイ(Sergei)、ナターリア(Natalia)、ラフマニノフ(Rachmaninov)の頭文字を取ったものである。

その中でも『パガニーニの主題による狂詩曲』は1934年に書かれ、没後数十年の流れの中で幾人もの手により編曲されたものも含め、日本はもとより世界的に度々TVコマーシャルやドラマ等で流されることからも、衆人によく知られる有名な作品の1つである。この後、交響曲第3番、交響的舞曲（最後の完成された作品）などが作曲された。左手小指の関節痛に悩まされながらも、演奏活動は死の直前まで続けられた。

ビバリーヒルズ（カリフォルニア州）で1943年に癌のため死去し、ニューヨーク市近郊のヴァルハラのロシア人墓地に埋葬された。

Rachmaninoff plays Debussy Golliwogg's Cakewalk

Rachmaninoff plays Chopin Nocturne Op. 9 No. 2

Rachmaninoff Plays Chopin Sonata No 2

Rachmaninoff plays Chopin Ballade No. 3

Rachmaninov plays Rachmaninov: Flight of the Bumble Bee

Rachmaninov plays Rachmaninov: Humoresque in G major

Rachmaninov plays Rachmaninov Piano Concerto 3 (1939)

Sergei Rachmaninov plays his piano concerto No 2

RCA Red Seal THE BEST 43::ラフマニノフ自作自演～ピアノ協奏曲第2番&第3番

ラフマニノフ／ラフマニノフ自作自演集～交響曲第3番＆ヴォカリーズ

ラフマニノフ:ピアノ協奏曲第1番&第4番

ラフマニノフ：自作自演集 / ラフマニノフ

ラフマニノフ・プレイズ・ラフマニノフ

ヴァルター・ギーゼキング

2008-03-17T16:23:00.005+09:00

ヴァルター・ギーゼキング（Walter Gieseking, 1895年11月5日 - 1956年10月26日）は、ドイツのピアニスト、アマチュアの蝶類研究者。世界で初めて「ピアノのために書かれた作品を全て演奏できる」という特技をトレードマークにした。

フランスはリヨンに生まれる。初等教育は「面倒くさい、私はもう読み書きが出来るのだから学校には行かない」と言って受けず、幼少時は家で百科事典と楽譜を読み漁る毎日だった。蝶の趣味はこの頃に覚える。

両親が心配してハノーファーの音楽学校を紹介し入学。そこで師のライマーを紹介され、ドビュッシーなどの現代音楽すら新刊を持ち込んでレッスンする姿勢に彼は大きな感銘を受けた。デビュー後は一日にリサイタルとレッスンが昼と夜に行われるほどの多忙な生活であり、ヨーロッパ中を忙しく往復した。

第二次世界大戦中はドイツにとどまったため、ナチ協力者との嫌疑をまぬかれることができなかった。このため、連合国側によって疑いが晴らされるまで、多くの演奏会がキャンセルされた。

しかし、戦時中の1945年1月23日、ギーゼキングは現存する最古のステレオ録音に挑戦している。曲はベートーベンのピアノ協奏曲第5番　変ホ長調Op.73「皇帝」である。EMIベートーヴェン全集のレコーディング中に倒れ、緊急で手術がなされたものの容態芳しくなくロンドンで客死。

自伝「かくて我はピアニストとなれリSo wurde ich Pianist 」は、1963年に出版されている。

ギーゼキングは本能的で直感的なピアニストであると言われ、自ら意識して練習したことはなかったとも言い伝えられている。譜面を検討し、その演奏をイメージしてから、曲を完璧に弾きこなすのが常であった。ひとたび楽譜に夢中になると、何時間も黙りこくって過ごす習慣があり、そのため夫人がむやみとストレスを溜め込んだとも伝えられる。

その一方で、既に語り尽くされたように初見力にも優れていたが、しかし実際は、演奏法ではなく練習法に長けていたという見方もある。彼は「私はスケールとアルペジオの練習のみで、全てのテクニックを習得しました」と皮肉まじりに語ったそうである。高弟クラウス・シルデは「バルトークのピアノ協奏曲第二番をレッスンに持っていったのに、ギーゼキングは第二ピアノを初日の時点で全部暗譜していた」と語っている。

レパートリーはバッハやベートーヴェンなど古典的なものから、よりモダンなブゾーニやシェーンベルクからゴッフレド・ペトラッシまでと、当時の最高水準の記憶力を携えていた。

1923年にはハンス・プフィッツナーのピアノ協奏曲の初演を行なった。しかし今日ギーゼキングは、もっぱらモーツァルトとドビュッシー、ラヴェルの伝説的な演奏家として記憶されている。（モーツァルトの全集はレコード会社から持ち込まれた企画であった）作曲者の存命中にラフマニノフの協奏曲の録音にいどんだ、最初のピアニストでもある。

カール・ライマー Karl Leimer との共著により、ギーゼキングは2冊のピアノ奏法論を上梓した。「ピアノ奏法完成への早道」（1932年）と、「ピアノ奏法の諸問題～リズム、強弱、ペダルなど」（1938年）である。

録音態度は意外なほどいい加減で、完璧に近いものからウォーミングアップ程度のものまで様々である。現代のピアニストでさえ敵わないダイナミックレンジの大きさは、基礎体力そのものの優位が関っているという説がある。

ギーゼキングは、死去から半世紀を迎えた今なお、伝説のピアニストとして語り継がれている。ギーゼキングのＣＤは同じ内容のディスクを何度も回を重ねて発売されているが（EMI）、これは貴重な文化財保存という側面を持っているといえる。ペダル操作が比類なく、完璧なまでの作品の記憶力と、細部にわたって楽譜の忠実な再現、楽曲構造に対する明快な洞察力などで、同時代のピアニストの中でも卓越した存在だった。

ドビュッシーやラヴェルのピアノ曲は、たいてい運指やペダルの指定がなく、これらは演奏者の判断に委ねられている。殊にドビュッシーでは、ともすれば曲の見通しが曖昧模糊となりがちである。

これに対して、ギーゼキングの演奏は曲の分析力が明晰で、当時のつたないアコースティック録音にもかかわらず、ニュアンスに富んだ繊細な音色と、多彩な表情の変化に満ちている。その上、演奏技巧に欠点がない。

つまり、曲の解釈において迷いが無い。たとえばドビュッシーの≪前奏曲第１集≫の＜パックの踊り＞は、これほどの速さで押し切っているにもかかわらず、まったくテンポやフレージングが乱れない。

こうした特長のために、学習者の模範として使われてきただけでなく、後世のピアニストからは、ドビュッシーやラヴェル演奏の完成者として、到達目標として仰がれたのである。

それでも、彼の全盛期はSP時代だと伝えられる。LP時代に入ってからのベートーヴェン全集やバッハのWTCでは一発撮りにちかい不安定なテイクも少なくない。

出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）

▼ギーゼキング演奏ＣＤ

ドビュッシー:ピアノ曲全集(2)
ギーゼキング(ワルター)
EMIミュージック・ジャパン
発売日 1997-02-19

名演奏！素晴らしい！ 2007-07-30
ギーゼキングの当ディスク。この曲集の作曲家であるドビュッシーは、おそらくこの演奏にほぼ近いエッセンスを意図して作曲したのだろうなと自分勝手に納得できてしまう素晴らしい演奏。

儚げなニュアンス、細部への緻密なタッチ、微笑みを誘い、時には淋しさを滲ませたりする繊細な音楽。一方で曲想にあわせて躍動感やスピード感も失わない。目の前の作業に手を止めて聞き入ってしまう。

これを別のドビュッシー弾きピアニストである名匠ミシェルベロフで聞くと、ドビュッシーの音楽が外向的で、自己主張が強くて、自分は他人に何も劣るところはないんだけど何か？と囁かれているように響く。

これをギーゼキングで聞くとギーゼキングの演奏の素晴らしさに、作曲家がベロフに向かって「そんなに音を全部お尻までギンギンに美麗に響かせるという意図はなかったんですが」と注意されてもおかしくないな等と、勝手に妄想できてしまう。

録音の古さは理由はわからないが同じEMIのコルトーに比べても格段に気にならない。

ドビュッシー:映像、ピアノのために、版画、他
ギーゼキング(ワルター)
EMIミュージック・ジャパン
発売日 2008-02-20

さらに詳しい情報はコチラ≫

ドビュッシー:前奏曲集
ギーゼキング(ワルター)
EMIミュージック・ジャパン
発売日 2008-01-23

さらに詳しい情報はコチラ≫

ドビュッシー:ベルガマスク組曲、他
ギーゼキング(ワルター)
EMIミュージック・ジャパン
発売日 2008-01-23

さらに詳しい情報はコチラ≫

クラシック・アプレミディプール・ジュルネ
ギーゼキング(ワルター)
EMIミュージック・ジャパン
発売日 2006-06-21

さらに詳しい情報はコチラ≫

エフゲニー・キーシン

2008-03-05T23:50:00.005+09:00

エフゲニー・キーシン（Evgeny Kissin, Евгений Игоревич Кисин, 1971年10月10日 - ）

ロシアのピアニスト、モスクワ生まれ。わずか2歳でピアノを学び始める。

のちグネーシン音楽大学に進んで、アンナ・パヴロフナ＝カントルに今日まで師事する。10歳でモーツァルトのピアノ協奏曲（K.466）を弾いてデビュー、11歳で初リサイタルを開くなど、幼い頃から神童ぶりを発揮する。12歳の時、ドミトリー・キタエンコの指揮するモスクワフィルハーモニー管弦楽団で弾いたショパンのピアノ協奏曲が発売され、世界中の注目を浴びることとなる。

以来、ベルリン・フィルハーモニー管弦楽団、ロンドン交響楽団、アバド、カラヤン、小澤など多くの著名オーケストラ、指揮者と共演。

コンクール入賞歴はほとんどないが、国際的ピアニストとして世界各地で演奏・録音活動を積極的に続けている。1986年、初来日し全国ツアーを行う。2003年再来日。いずれも好評である。1990年9月30日にカーネギー・ホールにおいて、アメリカ・デビューを果たす。当日の演奏は絶賛され、ＣＤ化されて、世界的名声をいっそう確かなものとした。

近年は自作の発表を行っていないようだが、少年時代にはピアノ小品を作曲・演奏・録音していた。ソ連時代には、世界各地の民謡をリサイタル後のアンコール・ピースとして編曲したこともあった。日本の文部省唱歌を編曲したものは、まとめてアルバムも作ったが現在入手が困難で、日本国内の愛好家やレコードコレクターの垂涎の的になっている。

ショパン、リスト、チャイコフスキー、ラフマニノフ、スクリャービン、プロコフィエフ、ベートーヴェンなど多岐に渡るレパートリーを誇っている。かつてはロマン派音楽とロシアとソ連のピアノ音楽を中心に、超絶技巧を聴かせる曲目が多かったが、近年ではフランクやブラームス、メトネルなど、より内面的・瞑想的な性格の作曲家の作品にも意欲的にとりくみ、新境地を開拓している。

出典: フリー百科事典『ウィキペディア（Wikipedia）』

ショパン/ピアノ協奏曲第1番・第2番
キーシン(エフゲニー)
BMGビクター
発売日 1996-09-21

これが12歳の演奏か!? 2006-11-23
とても12歳の子供が演奏しているとは思えない。凄い。技巧もあり、感性に溢れている。
おそらく当時この演奏を聴いた人々は、「末恐ろしい」と思ったことだろう・・

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Kissin -Rachmaninov piano concerto n.2, I. Moderato (part1)